ARTE, TECNOLOGÍA Y NUEVOS MEDIOS

El medio es el mensaje

2012-02-16T11:26:00.000-08:00

El "disco compacto" se convierte en reproductor de su propia música. La música es interpretada en directo por los integrantes electrónicos de la banda musical.

http://www.1bitsymphony.com/

Studio Azzurro

2012-02-16T10:35:00.000-08:00

El centro de experimentación y producción audiovisual Studio Azzurro fue fundado en 1982 por Fabio Cirifino (fotógrafo), Paolo Rosa (artista visual) y Leonardo Sangiorgi (grafista y animador). En 1995, con la incorporación de Stefano Roveda, se introducen en las obras los sistemas interactivos que sirven como impulso para potenciar los principales intereses del estudio: la investigación sobre las videoambientaciones y el interés por el teatro, el cine y la danza. En definitiva el interés por la Narración Interactiva recogida en los Ambientes Sensibles, trabajos donde confluyen disciplinas y que caracterizan gran parte de su trabajo, en concreto la obra que se expone en la Sala Parpalló.

Studio Azzurro utiliza las señales positivas de las nuevas tecnologías y de la cultura digital para combinarlas con el mundo de la experimentación de los lenguajes y del arte. Conscientes del potencial lingüístico-expresivo que tienen los actuales instrumentos tecnológicos investigan cómo y de qué manera vehiculizar, a través de la tecnología, el factor narrativo para crear experiencias artísticas. En sus obras el espectador deviene actor y el espacio está abierto a la imaginación y a la participación acercándonos a una experiencia personal y propia, donde la inmersión simulada se mezcla con la real y directa concurriendo todas las sensibilidades hacia una sensación narrativa total.

extraido de: http://www.salaparpallo.es/ficha_exposicion.html?cnt_id=302

libros en copia de autor para la descarga libre

2012-02-16T10:18:00.000-08:00

Ocho libros de la mano de Brea para comprender mejor:
El arte, la tecnología y los nuevos medios.

Apple y la explotación laboral en China

2012-02-14T09:50:00.000-08:00

Enlace a un artículo sobre la explotación laboral en las fábricas chinas de Apple. link

Literatura y nuevas tecnologías

2012-02-05T08:14:00.000-08:00

Recientemente, han aparecido varias reseñas del último libro de Vicente Luis Mora El lectoespectador. Todas ellas abordan críticamente las relaciones entre literatura y nuevas tecnologías. Gran parte de la producción literaria de Vicente Luis Mora se enmarca en un movimiento de renovación literaria que abarca todos los géneros (narrativa, poesía y ensayo) y asume el terreno de lo tecnológico como principal campo de investigación. Aquí podéis encontrar los enlaces a algunas de las reseñas publicadas durante las últimas semanas:

Alberto Santamaría

Enrique Lynch

Ibrahim Berlín

José Luis Molinuevo

Pasos para ser un cyborg IX

2010-05-28T08:01:00.000-07:00

Ser infectado por un virus informático.

Marc Gasson ha sido la primera persona que ha sido infectada por un virus informático en un implante que lleva en la mano.

Noticia en español.

Crístoffer L. Sevilla.

Pasos para ser un cyborg VIII

2010-04-29T01:10:00.000-07:00

Además de leer la mente de los humanos, alterar su capacidad de realizar juicios morales.

Crístoffer L. Sevilla.

Marina Nuñez

2010-04-24T10:59:00.000-07:00

http://www.youtube.com/watch?v=ZhekSeJETok&feature=related

Marina Nuñez trabaja mucho con la hibridación de cuerpo (carne) femenino- cibernético, alterado por la tecnología. (habla de nuevas identidades, de lo natural y artificial), emigración...Empezó con dibujos y pinturas y ahora trabaja más con videos, instalaciones y fotografías...

Pasos para ser un cyborg VII

2010-04-21T09:20:00.000-07:00

Aumentar la fuerza con un exoesqueleto.

Otro proyecto, americano.

O para volver a caminar.

Aunque no se parezca tanto al que se pone Ripley al final de "Aliens, el regreso", de James Cameron.

Crístoffer L. Sevilla.

Pasos para ser un cyborg VI

2010-04-16T10:12:00.000-07:00

Usar el cuerpo como interfaz de dispositivos "vestibles".

TED, presentación Sixth Sense, por Pattie Maes.

TED, presentación del creador de Sixth Sense, Pranav Mistry.

Skinput.

Crístoffer L. Sevilla.

Pasos para ser un cyborg V

2010-04-13T06:00:00.000-07:00

Crear una interfaz BCI (Brain-Computer Interface) para interacturar mentalmente con un ordenador.

Crístoffer L. Sevilla.

Pasos para ser un cyborg IV

2010-04-13T04:33:00.000-07:00

Usar bacterias para propósitos médicos.

Vídeo en Youtube de cómo unos investigadores están intentando usar bacterias como elementos nanotecnológicos para ayuda médica.

Crístoffer L. Sevilla.

Pasos para ser un cyborg III

2010-04-13T03:52:00.001-07:00

Convertirse en una cyborg terrorista.

Obviaré todo comentario relacionado con género y religión en esta entrada.

Un punto de vista frívolo.

Un punto de vista alarmista, y no por ello carente de frivolidad.

Esta entrada tiene relación con el enlace al body scanner del que habla Agus el 15/03/10.

Crístoffer L. Sevilla.

Pasos para ser un cyborg II

2010-04-13T03:45:00.001-07:00

No conformarse con la pérdida de un dedo y convertirlo en algo útil.

El título de la entrada lleva a la noticia, en NeoTeo, del 16 de marzo de 2009.

Crístoffer L. Sevilla.

Pasos para ser un cyborg

2010-04-13T03:36:00.000-07:00

Desarrollar un cyberojo.

Canal en Vimeo.
Blog del creador.
Web del proyecto.

Crístoffer L. Sevilla

VISUALICIOUS

2010-04-10T11:06:00.000-07:00

Selección en VIMEO de trabajos relacionados con arte y nuevas tecnologías, desde enero del 2009.

Videarte, sesiones de vj, instalaciones, realidad virtual inmersiva,pantallas interactivas,escenografía con proyecciones....
En este caso es proyección en una habitación con un espectador adentrándose en realidad virtual inmersiva.

Proyecciones urbanas

2010-04-02T17:53:00.000-07:00

Si pinchais el título de la entrada podreis ir al enlace de otros proyectos.
Este es muy interesante porque transforma muy manejable la arquitectura.

En general utilizan software propios que hacen una máscara (delimitan) los contornos del edificio (si es curvo, la deformación a la hora de sacar la imagen también se tiene en cuenta).
Otros programas serían el After Effects, cromas, 3D max...

Proyecciones en estructuras

2010-03-26T13:15:00.000-07:00

El cubo de Etienne de Crecy

2010-03-22T10:19:00.000-07:00

Proyecto Beats and cubes: visuales tridimensionales.
Diseñado por el colectivo EXYZT, conformado por arquitectos y Dj´s parisinos.

Tatsuo Miyamina

2010-03-16T19:00:00.000-07:00

Este artista utiliza los leds como medio de expresión en sus obras de arte. Según la idea que quiere expresar (obviando lo implícito del tiempo), cambia el concepto, personificándolos, o dandóle importancia sólo a la luz, o bien a la velocidad de los mismos.... Todo ello con una mentalidad y filosofía muy oriental y budista. (vida-muerte,artificial-naturaleza e incluso cuentos... )

Serie "Tiempo en el agua" (2009)
Según su propia explicación de la obra, se trata de un tributo a unos 60 artistas musicales y visuales que fueron a la isla de Cuba con el fín de ayudar a las víctimas del huracán Gustav (2008) en la reconstrucción de sus hogares durante el día y, durante la noche, realizaban talleres o conciertos llegando incluso a reunir a más de 300 artistas que todavía continúan con el proyecto.

Cree que es una característica importante del arte fuera de las grandes exposiciones el tratar de dar esperanza a la sociedad.

nota de la obra :Explica que deja suspendidos los números en el agua como una manera de conservarlos en la eternidad.

Teaser de Deus Ex 3 o en qué sueñan los hombres de hierro

2010-03-15T12:31:00.000-07:00

"Yo no pedí esto. Si buscas enemigos, intenta cambiar algo."
Adam Jensen

Deus Ex es una saga de videojuegos futuristas de acción en primera persona. En esta tercera entrega, Deus Ex 3: Human Revolution (aún en desarrollo), la trama nos sitúa en el año 2027, 25 años antes del original. Se trata de una precuela ambientada en la época anterior a la era nanotecnológica, donde las prótesis biomecánicas están a la orden del día. El teaser ha sido presentado en exclusiva durante la Game Developers Conference 2010.

El videojuego intenta respetar una estética cyberpunk en sus entregas, y en esta ocasión la dirección de arte se inclina hacia lo que sus desarrolladores han denominado como renacimiento futurista.

Cabe destacar en el teaser trailer la reconstrucción animada en tres dimensiones del cuadro Lección de Anatomía del Doctor Tulp (Rembrandt, 1632) y el guiño al famoso scanner corporal visto en la película Total Recall (Paul Verhoeven, 1990), y que cada día parece estar más cerca.

Vía | Ign.com | Neoteo
Posteado por Agustín Jerez.

TETSUO (EL HOMBRE DE HIERRO)

2010-03-12T14:05:00.000-08:00

Película cyberpunk dirigida por Shinya Tsukamoto (1988) (67 minutos)
En blanco y negro, rodada en 16 milimetros, de bajo coste.
La estética y el argumento es claro; un personaje intenta convertirse en cyborg o en superhombre injertándose a si mismo una pieza de metal(...)ocurre una accidente(...)que será el desencadenante para que, otro personaje sufra un cambio en su carne humana débil que le llevará a evolucionar en un ente tecnológico superior.
No apto para personas que no aguanten efectos especiales algo gores, perversiones tecnosexuales, ni una banda sonora industrial y mecánica.

Para todos aquellos que estén interesados en la ciencia-ficción distópica y cyberpunk.

2010-03-02T14:54:00.000-08:00

Cómo hoy se ha hablado en clase sobre la cartografía del ciberespacio y la manera de representarlo en algunas películas y libros,creía conveniente recomendar esta novela que me leí hace tiempo. (Distintos interfaces o reconstrucciones digitales)

No es tan depremimente como Un mundo feliz de Aldous Huxley. Pero si nos encontramos en un mundo apocalíptico en el que la gente del mañana se refugia en la realidad virtual y en las drogas sintéticas como única vía de escape de un mundo destruido e infravalorado por los humanos. Es decir, la realidad virtual como nueva droga del porvenir.

La trama gira en torno a Jon Sciler,un veterano de guerra que luchó como colono en el Dirangesept (la última esperanza de la tierra de reconstruir su civilización en otro planeta) a la vuelta se le ofrece probar "laberinto" un nuevo juego de realidad virtual. Dicho nombre hace juicio al desarrollo de la novela, es interesante, aunque a veces te hace perderte.

"Sueño temerario" de Roger Levy. Sueño temerario. ED. la factoría de Ideas (2004). 347 págs

2010-02-24T03:35:00.001-08:00

http://www.bram.org/info/aa.htm

PREMIADOS VIDA 12.0

2010-02-22T15:15:00.000-08:00

PREMIADOS VIDA 12.0
y MENCIONES HONORÑIFICAS de la Fundación Telefónica.

El jurado de Vida 12.0 reunido en Madrid estuvo constituido por Mónica Bello Bugallo ( España), Daniel Canogar, (España), José-Carlos Mariátegui (Perú), Karin Ohlenschläger (España), Simon Penny (EE.UU/Australia), Nell Tenhaff (Canadá).

Ryan McGinness, Estudio Franquicia

2010-02-18T11:59:00.000-08:00

La Casa Encendida presenta el proyecto Estudio Franquicia, del artista Ryan McGinness (1972, Virgina) del 5 de febrero al 4 de abril de 2010. Basándose en la esencia del funcionamiento de una franquicia, Ryan McGinness se instala en el Espacio C de La Casa Encendida donde recreará su estudio de Nueva York. Durante todo el mes de febrero, el artista trabajará en directo en la creación de nuevas piezas en colaboración con sus "dobles", participantes del taller "Se buscan Ryan McGinness".

Más de 180 personas enviarion su candidatura a la web www.sebuscanryanmcginness.com y a una aplicación creada para tal efecto en Facebook. Cada uno de los seleccionados pasará 5 horas al día durante cinco días en el taller de McGinness en La Casa Encendida. A uno de los candidatos más votados en Facebook -tras pasar la prueba del videochat con el propio artista- se le pagará el desplazamiento desde su lugar de residencia y su alojamiento los días que dure el taller.

Tanto el estudio como sus dobles se convertirán en símbolos, estableciendo un discurso en torno a la creación y reproducción de originales, eje principal de su trabajo. La proliferación de duplicados, los mundos paralelos y los distintos modelos del universo, según los cuales no hay un original con diversas copias o reproducciones, sino numerosos originales que existen simultáneamente, vuelven a estar presentes en esta original propuesta.

Domingo Pino

En Arco apuestan por las periferias: Feminismo, surrealismo y arte latinoamericamo

2010-02-17T15:08:00.000-08:00

Manolo Borja-Villel, director y artífice de la actual reforma del Reina Sofía, confirma que dirigirá las compras hacia el surrealismo, feminismo y arte latinoamericano.

Si hay gente que vaya a Arco (tal vez yo vaya), podríamos compartir en comentarios dentro de este post los enlaces de artistas que aparezcan en la entrega.

JORNADAS VIDEO ARTE (HECHO EN ESPAÑA)

2010-02-10T07:09:00.000-08:00

El Vicerrectorado de Cultura y Deporte, en colaboración con el Museo de la Universidad de Alicante y el Ministerio de Cultura, organiza las Jornadas de Video Arte (Hecho en España), que contarán con los siguientes conferenciantes:

· Alex Francés
jueves 18 de febrero, 17.00 hs.

· Mira Bernabeu _
jueves 25 de febrero, 17.00 hs.

· Daniel García Andujar _
jueves 4 de marzo, 17.00 hs.

· Paloma Navares _
jueves 18 de marzo, 17.00 hs.

· Javier Codesal _
jueves 25 de marzo, 17.00 hs.

Las Jornadas se impartirán en el Centro Arte Complutense, Avda. de Juan Herrera, 2.

Entrada libre y gratuita. Aforo limitado.

Se entregará un certificado de asistencia a todas aquellas personas inscritas que participen en las 5 conferencias.

Ell impreso de inscripción, está en la web.Una vez cumplimentado, enviar por fax o correo electrónico antes del día 16 de febrero:

Fax: 91 394 1111

e-mail: uceu@rect.ucm.es

Información sobre la exposición y las jornadas:
WEB

Facebook corta dos proyectos artísticos sobre eliminación de perfiles

2010-02-09T14:24:00.000-08:00

Redes sociales. Censura. Control de datos.

A día de hoy no conozco a nadie que me haya dicho qué va a pasar con los datos que exhibimos en nuestro perfil privado de Facebook. Dos proyectos artísticos, Seppukoo y Suicide, han sido vetados por Facebook como única red social entre las que se ven afectadas por ambas obras. La primera borra tus datos de forma reversible, pero SM propone la muerte absoluta en tu espacio social. El procedimiento se basa en un contrato en el que permitimos que estas páginas accedan a nuestras cuentas para borrar los datos. Es inevitable reflexionar sobre mundos distópicos como los que presentan en 1984, Un mundo feliz, THX 1138 o Matrix, entre otros.

Ana I Barbudo

John Cobra llega al segundo puesto en la candidatura de España para Eurovision

2010-02-09T13:43:00.000-08:00

Identidades en la red. Manipulación de espacios virtuales.
Kitsch social.

John Cobra es un fenómeno de tantos otros que habitan los espacios virtuales. La repercusión social que generó con sus ciberpeleas en formato vídeo con personajes como Batu "The Dog" en la plataforma de Youtube y su, por ahora, imparable ansia de fama, le han llevado hasta los medios de comunicación. Pasó por el Diario de Patricia y ahora intenta colarse en Eurovision.

Ana I Barbudo

Film Festival Hors Pistes 2010 at the CENTRE POMPIDOU, supported by VideoArtWorld

2010-02-09T01:55:00.000-08:00

HORS PISTES 5th Edition
Feb. 19 2010 - Feb. 28 2010

Desde 2006, Hors Pistes es evento cultural centrado en las nuevas formas de usar la imagen contemporánea, en mostrar las rupturas frente a los usos tradicionales de filmar y narrar.
Destaca por su interesante selección de nuevos directores de cine en vídeo y sus propuestas creativas.

Diseño, arte y tecnología / taller Reina Sofia

2010-02-08T12:51:00.000-08:00

Os adjunto un VIDEO de un objeto interactivo bastante curioso
E aquí la web del grupo que desarrolla el software y las instalaciones http://www.whitevoid.com/
El portafolio no tiene desperdicio hay instalaciones y objetos interactivos, videos, softwares, soportes de proyección.
Espero que os guste y os sirva de algo.

También os dejo un taller para el que pueda desplazarse a Madrid pasado mañana.

Tan falso como el original.Taller con 0100101110101101.org

Eva y Franco Mattes, conocidos como 0100101110101101.org
Código fuente de Biennale.py, 2001
Virus informático.

Fecha: 10 de febrero de 2010
Lugar: Centro de estudios
Hora: 19:00 h
Entrada: Gratuita. Hasta completar aforo

La elusividad y la fuga constantes han sido unas de las características de la producción de Eva y Franco Mattes. Formados en el entorno del post-operaísmo italiano, los diversos proyectos de estos artistas han puesto en marcha mecanismos de subversión de la información, de crítica a la autoridad de las instituciones y de duda ante el valor de la obra de arte en un nuevo espacio de acción, el de internet. Su trayectoria, iniciada en el colectivo anónimo Luther Blisset, pasa en poco tiempo a relacionarse con el net-art, movimiento que enfocan como retro-vanguardia, con el impulso de romper los marcos de definición del arte con estrategias del pasado, comunes a la largo de todo el siglo XX.

En este sentido, bajo el nombre de 0100101110101101.org, se suceden la crítica a la originalidad artística y la denuncia del sistema del arte, convertido en un espectáculo superficial destinado al sabotaje y a la exposición irónica de sus fallas. Más allá del fracaso del net-art, del que 0100101110101101 fueran tanto participantes como críticos, podría decirse que su trabajo, desde las identidades duplicadas a los virus comunicativos, se integra en un impulso por subvertir un nuevo ecosistema de la información, integrado en un marco económico en definición, en el que las formas de resistencia y activismo han de ser continuamente reinventadas.

Libros sobre ciberfeminismo/cibercultura

2010-02-08T11:53:00.000-08:00

"ontología cyborg" , teresa aguilar garcía (VII PREMIO DE ENSAYO EUSEBI COLOMER) (13 Euros)

"Velocidad de Escape". La cibercultura en el final del Siglo (XX) Mark Dery. Ediciones Siruela (unos 30 euros)(muy completo con antecedentes, cyberpunk, artistas contemporáneos.
MÚSICA, PELÍCULAS, RETROSPECTIVA FUTURISTA, TECNOPAGANISMO, BODY ART, CIBERSEXO....)

La industria de los 'Gold Farmers' da empleo a más de 400.000 personas

2009-05-12T06:26:00.000-07:00

Han pasado un par de años desde que hablamos en VidaExtra por primer vez del fenómeno de los Gold Farmers, jugadores que dedican su vida a jugar títulos MMORPG para evolucionar personajes, conseguir armas y, finalmente, vender estas posesiones conseguidas tras largas horas de juego a jugadores del primer mundo con poco tiempo libre o sin ganas de obtener dichas metas por si mismos.
Y es que en muchos países en vías de desarrollo, la actividad de gold farming reporta unos beneficios bastante sustanciosos, en comparación con el salario medio de la región. Asi que, si hay alguien dispuesto a pagar por un personaje de nivel 70 en ‘World of Warcraft’ ¿Por qué no hacerlo?
Pues bien, lo impresionante del caso es que lo de los Gold Farmers no es un hecho ni mucho menos anecdótico. Según un estudio llevado a cabo por el profesor Richard Heeks, la cifra ascendería mucho más allá del millar de personas. En concreto, se estima que unas 400.000 personas viven del Gold farming, el 80% de las cuales vive en China.
Por tanto, podría decirse que esta actividad es un importante impulso económico para el país. La verdad es que llegados a este punto nada me sorprende, sobre todo después de enterarme de que, por ejemplo, el famoso timo nigeriano es la tercera fuente de ingresos de este país africano.
Así pues, se trata de un interesante ejemplo de economía sumergida que afecta directamente al mundo de los videojuegos, y que resulta en un mercado que mueve alrededor de 500 millones de dólares. El salario medio para un gold farmer es de unos 142 dólares mensuales, cifra ínfima para un ciudadano del primer mundo, pero una cantidad importante en estos países.

Screening the seventies

2009-05-10T01:55:00.000-07:00

En el texto de Griselda Pollock Vision and Difference. Feminism, feminity and the histories of art editado en Routledge en 2006, encontramos este artículo ("Screening the seventies") en el que la autora reivindica la vigencia de los planteamientos del dramaturgo alemán Bertold Brecht en propuestas artísticas de los años 70 y 80. Y lo hace a través del trabajo de artistas como Mary Kelly, Victor Burgin, Mitra Tabrizian, Yve Lomax o Mary Yates.
El texto está en inglés pero merece la pena el esfuerzo. Os animo a que le echéis un vistazo.
Maite Aldaz.

relaciones entre género y clase social

2009-05-03T01:13:00.001-07:00

En este enlace podréis encontrar información sobre éstas temáticas.
http://www.herramienta.com.ar/modules.php?op=modload&name=News&file=article&sid=194

Maite Aldaz

la pasión del significante

2009-05-02T08:48:00.000-07:00

La pasión del significante. Teoría de género y cultura visual, es un texto de Giulia Collaizzi editado en 2007 por Biblioteca Nueva en el que la autora pone en relación la teoría postestructuralista, la semiótica y la teoría de género para construir una mirada crítica hacia los modelos hegemónicos de producción de sentido.
En palabras de Collaizzi "la reflexión teórica sobre el sujeto como en sí, un significante, la atención teórica al cine como práctica semiótica, como modo de representación y como espejo que en vez de reflejar, refracta, luces o imágenes y produce nuestro imaginario social, abre un campo de intervención y cambio."
Es éste un texto recomendable tanto por el rigor con el que abarca su campo de estudio, como por la riqueza y pluralidad de referencias cinematográficas y teóricas que aporta.

Maite Aldaz.

Creo que puede ser interesante

2009-04-26T17:03:00.000-07:00

Os recomiendo este blog, creo que tiene mucho que ver con... todo...

feed://dardobustos.blogspot.com/feeds/posts/default

Tracey Moffat y la identidad construida del artista

2009-03-25T10:39:00.000-07:00

Obra: Tracey Moffat: Artist. Color. 1999

“En un trabajo en vídeo, la artista australiana Tracey Moffat recopilaba y pegaba breves secuencias de películas clásicas de Hollywood en las que aparecían artistas. En ellas se les veían en diferentes momentos, casi siempre realizando su trabajo. El estereotipo resultante no sólo era cómico y exagerado, sino que con él mostraba la idea que el imaginario colectivo ha ido construyendo a lo largo del siglo pasado y que se debe, en gran parte, al mito del artista bohemio y sufridor ante el acto creador. ¿Nada más lejos de la realidad? En Artist (1999), Moffat nos recordaba que ese mito perdura, puesto que las construcciones mentales son difíciles de cambiar, exigiendo la puesta en valor primero, y luego en circulación, de otras más acordes con el presente. (...)
(...) Mucho han cambiado las cosas sí, pero para ese imaginario colectivo, para la construcción social de Occidente, esa imagen (y, por tanto, ese estatus) perdura claramente, pese a su no correspondencia con la realidad de la contemporaneidad artística. Bastaría con hacer una encuesta de urgencia para comprobarlo. Y tiene su razón de ser e incluso su interés ideológico.”
(Juan Antonio Álvarez Reyes. Análisis del estatus. Presentación del objeto a debate. En Inventario nº12. El estatus del artista)

En este vídeo Tracey Moffat recopila fragmentos de distintas películas comerciales en las que aparece representada la figura del artista. La obra acaba convirtiéndose en una burla, que se revela ante la concepción social del artista que ha sido provocada por la sociedad tecnológica en que vivimos. La gente ve al artista como una figura bohemia, vividora, que vive y trabaja por amor al arte,… tal y como se representa el perfil del artista en el cine. Ya que la identidad se construye, deja en el aire la cuestión de la identidad del artista construida a través de los tópicos cinematográficos.

una medusa inmortal

2009-02-25T12:01:00.000-08:00

Este es un vídeo que salió hace poco en el programa Cuarto Milenio de Cuatro sobre una medusa que supuestamente es inmortal, parece que es verdad, aunque lo mismo pasa como con la foto de Joan Font Cuberta, quien sabe...

Cabezas robóticas, lo último en decoración para el salón

2009-02-16T04:24:00.000-08:00

Quién no ha sentido un pequeño escalofrío al entrar en una habitación y encontrarse de bruces con un animal disecado. Por ejemplo, con uno de esos enormes toros de lidia que se colocan en bares y restaurantes, de los que dejan a los guiris con la boca abierta. Aunque seguro que los turistas no se impresionarían tanto si se exhibieran estas cabezas de animales robóticos, con un aspecto más agradable e inocente que las de verdad.
Pero cuidado, las criaturas sólo son amistosas si nos colocamos a una distancia prudente. Si por casualidad nos aproximamos más de lo aconsejable a cualquiera de los once bustos que componen esta original colección, su sensor infrarrojo detectará nuestro movimiento. Las fieras abrirán los ojos, rugirán y se volverán más hostiles a medida que nos situemos más cerca. Puede que estén colgadas de la pared, pero defenderán su territorio a muerte.
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Curso 2008 / 2009

2009-02-03T01:41:00.001-08:00

El Arte Sonoro. Hacia una nueva disciplina

2008-05-13T04:27:00.000-07:00

El Arte Sonoro. Hacia una nueva disciplina
por Manuel Rocha Iturbide

A principios de este siglo, los movimientos vanguardistas Dada y Futurista hicieron que las fronteras entre las distintas disciplinas artísticas se borraran del mapa. El ruido se convirtió entonces por vez primera en un elemento expresivo y no exclusivo, y los sonidos de la vida cotidiana se liberaron. Desde entonces, el arte sonoro ha comenzado una lenta y fatigosa evolución, encontrando en el camino numerosos obstáculos que lo han hecho retroceder y encontrar nuevas vías alternas de desarrollo. Hoy en día nadie cuestiona el indiscutible acercamiento entre los distintos lenguajes de expresión. Vivimos una época de anti-especialización en la que los artistas de distintas disciplinas se ven forzados a entrar en comunicación para enriquecerse mutuamente. La conciencia del mundo sonoro que nos rodea ha avanzado a pasos agigantados, gracias a personajes debeladores como el polifacético artista John Cage, y a importantes movimientos de vanguardia tales que Fluxus, que llevaron hasta sus últimas consecuencias al paradigma Arte = Vida. ¿Qué es el arte sonoro?. La definición y la existencia de este campo relativamente nuevo es vaga y cuestionable. Algunos artistas que de manera natural le dieron preponderancia al elemento sonoro en su obra se vieron forzados a auto definirse como miembros de una nueva familia, y se convirtieron entonces en seres bicéfalos (un poco artistas plásticos, un poco músicos). Podríamos preguntarnos por ejemplo si La Monte Young (miembro fundador del grupo de arte Fluxus en los años sesenta) es compositor o artista, y no tendríamos otra alternativa que aceptar que es ambos dos. Sin embargo, en los últimos años, muchos artistas con nula o poca experiencia musical se han interesado por una utilización más consciente y estructurada del elemento sónico en su obra, sin tener por esto necesidad de diferenciarse y de distanciarse de los demás miembros de su gremio. Al hacer un intento por describir lo que es el arte sonoro podemos correr el riesgo de demarcar y delimitar un posible nuevo campo en el arte que siendo tan rico y complejo, necesita en cambio estar en permanente auto cuestionamiento para no convertirse en una disciplina que se defina a partir de algunos parámetros técnicos rígidos y escuetos. Este tipo de lineamiento es el que ha definido a las llamadas bellas artes en los últimos siglos, y es el que ha llevado a ciertas disciplinas como la pintura a una seria crisis actual, y el que probablemente llevará también al cine y a la fotografía al primer momento difícil de su corta historia. Ahora bien, podemos en cambio hablar un poco de la historia de las artes y de su relación con el mundo sonoro, y podemos también explicar el significado de ciertos términos de cuña reciente tales que "escultura sonora", "instalación sonora", "audio arte", etc. Toda manifestación del arte que utiliza el sonido como principal vehículo de expresión puede decirse que esta relacionada con el arte sonoro. Las artes plásticas estarían tal vez en el primer lugar de nuestra lista. Que es una escultura sonora?, una escultura que suena?. Evidentemente, pero entonces podríamos pensar que un instrumento musical es una escultura, ya que es un objeto estético con cualidades acústicas. Algunos dirán que un instrumento musical no puede ser una obra de arte, pero no olvidemos que ya desde la segunda década del siglo pasado el artista Marcel Duchamp exhibió un urinario en un museo, y que este urinario se convirtió entonces en un ready made, un objeto ordinario re-contextualizado que hoy en día es aceptado como una obra de arte. Algunos músicos del siglo pasado que incursionaron en el dominio de las artes plásticas tuvieron como principal objetivo la creación de nuevos instrumentos de música con cualidades estéticas y con la capacidad de producir una amplia gama de ruidos, lo que los convirtió automáticamente en esculturas sonoras. El pionero en este género fue el músico futurista italiano Luigi Russolo, quien inventó los "intona rumori" ("entona ruidos"). Podemos recordar también a los hermanos Baschet, un ingeniero acústico y un músico franceses que desde los años cincuenta se dedicaron a diseñar y a fabricar instrumentos-esculturas, es decir, objetos capaces de emitir ruidos diversos así como de ser exhibidos en cualquier espacio de arte. Expliquemos ahora lo que es una instalación sonora. Es un espacio intervenido con varios elementos que emiten sonidos, por ejemplo, por varias esculturas u objetos sonoros, o simplemente un espacio con varios parlantes dispuestos en distintos lugares. La expresión más abstracta dentro del campo del arte es probablemente la obra sonora que no se vale de ningún elemento visual para su representación. Desde la aparición del fonógrafo, de la radio, y de otros medios tecnológicos de reproducción sonora, han habido artistas que se han interesado en crear obras de arte puramente auditivas. Estas obras pueden estar cercanas al mundo de la música, o pueden tener que ver simplemente con la expresión de ideas a través del sonido (obras de arte de carácter conceptual). Muchas de estas obras han sido concebidas para ser transmitidas por la radio, y otras de ellas para ser publicadas en discos de vinil, discos compactos o casetes. El termino de audio arte surgió recientemente para poder darle cabida a este tipo de manifestaciones que no pueden ser catalogadas como música, radio novela, radio teatro, etc. Ahora bien, dentro de esta categoría podríamos también incluir a la poesía sonora. Los orígenes de la poesía están en la recitación, en la palabra sonora expresada con distintos matices e inflexiones. Esto ha ido desapareciendo y el libro de poesía que antes era tan solo un registro se ha convertido poco a poco en su principal vía de expresión y difusión. Durante el siglo pasado, varios poetas llevaron a la poesía a otros dominios, se olvidaron un poco del significado de la palabra y se preocuparon mas por los sonidos fonéticos, por el valor sonoro de la palabra en si misma. Han habido un sinnúmero de corrientes de poesía sonora, y no contamos aquí con el suficiente espacio para adentrarnos en este campo, baste decir que consideramos a la poesía sonora como una rama más del arte sonoro. En esta última década han proliferado festivales y encuentros de arte sonoro en Europa, Norte América (Canadá y Estados Unidos) y en algunos piases de otros continentes como Japón y Australia. Se ha creado un circuito de artistas sonoros parecido al de los artistas plásticos que participan en todas las bienales del mundo. Curiosamente, estos artistas sonoros pertenecen en su mayoría a países nórdicos, sajones o del primer mundo. ¿Qué ha sucedido con los países en vías de desarrollo?. Tal pareciera que el arte sonoro es equivalente a desarrollo tecnológico; quien no tiene computadoras, dinero para invertir en equipo de audio, etc, queda aparentemente fuera de la jugada. Sin embargo, esto no significa que no exista un interés profundo por la interacción entre las artes visuales y el sonido en nuestros países, y que existan artistas que están actualmente trabajando y desarrollando obras con un interés particular en lo auditivo. En 1999 se llevó a cabo la primera edición del festival internacional de arte sonoro en la ciudad de México, un foro cuya presencia se hacía imprescindible, y que fue concebido por el autor de este artículo y por el curador y ahora director del museo Ex-Teresa Arte Actual Guillermo Santamarina. Nuestros objetivos fueron crear un espacio en el que convivieran las artes plásticas y la música contemporánea usando el elemento sonoro como elemento unificador. Esto permitió que los artistas y los músicos que asistieron como participantes o como público pudieran entrar en comunicación y enriquecer su que hacer artístico, y que el público no especializado pudiera realizar un interesante viaje a través de los distintos matices de la expresión sonora en el arte. En éste sentido, el festival ofreció a los asistentes una experiencia multidisciplinaria del arte contemporáneo actual única y sin precedentes en éste país. En 2000 el museo Ex-Teresa Arte Actual organizó el segundo festival internacional de arte sonoro en el cuál participaron otros cinco recintos culturales, Acceso A, Cedro 90, el Antiguo colegio de San Idelfonso, el Museo Estudio Diego Rivera, y la Pinacoteca Virreinal. El tema del festival fue "Humor y Aliento". Invitamos a renombrados artistas y músicos internacionales de distintos países, al italiano Maurizio Nannucci, a los japoneses Minoru Sato y Jio Shimizu, a los estadounidenses Paul DeMarinis, Krystina Bobrowksy y Kelly Davis, a los Argentinos Jorge Macci y Mario Marcelo Mary, y al checoslovaco Slavek Kwi. Participaron también artistas y músicos nacionales cuyo interés por el pasado festival redituó en una serie de propuestas muy interesantes. De hecho, desgraciadamente no pudimos incluir todos los proyectos que nos llegaron a falta de espacio y presupuesto. Sin embargo, esperamos que este interesante espacio de difusión no desaparezca y permita que otros artistas y músicos del país puedan mostrar su obra. En 2001 y en 2002 se llevaron a cabo el tercero y el cuarto festival internacional de arte sonoro (Con los temas de Eso y Habitat Sónico respectivamente) en la ciudad de México, y contamos con renombrados artistas y músicos como Carsten Nicolai, Phill Niblock, Ake Parmerud, Francis Dhomont, Juan Hidalgo, Masahiro Miwa y Mouse on Mars entre otros. Además, por primera vez se abrió una convocatoria para invitar a participar a todos los artistas y músicos mexicanos que tuvieran proyectos de escultura, instalación o conciertos, y tuvimos un gran exito. A partir del 2002 se decidió que el festival de arte sonoro se convirtiera en bienal, y por eso no será hasta el verano del 2004 en que tendremos la quinta edición de este evento. Pero a la fecha, contamos ya en México con un importante número de artistas que le han dedicado toda o una gran parte de su obra a esta nueva disciplina. El arte sonoro es y seguirá siendo un campo amorfo, indefinido y propicio para acoger la creatividad que se genera en los campos alternativos a las bellas artes. La necesidad del sistema imperante por definir y encasillar la actividad artística seguirá produciendo desadaptados, outsiders, y creadores nómadas que tal vez nunca encuentren un hogar propio, ojalá que el festival de arte sonoro pudiera por lo menos convertirse en una gran carpa en medio del desierto, un lugar de encuentro abierto a todo creador que utiliza el sonido como principal medio de expresión. Algunos artistas y músicos del siglo pasado que hicieron esculturas u objetos sonoros fueron: Luigi Russolo, Harry Partch, Harry Bertoïa, Bernard y François Baschet, Jean Tinguely, Takis, Robert Morris, Paul Panhuysen. Algunos artistas y músicos que han dedicado gran parte de su obra al arte sonoro fueron: Max Neuhaus, Nam June Paik, Wolf Vostell, Alvin Lucier, Laurie Anderson, Terry Fox, Milan Knizak, Christian Marclay, Gordon Monahan, Maurizio Nannucci, Alvin Curran.

Un insecto robot logra camuflarse en una colonia de cucarachas

2008-04-20T03:22:00.000-07:00

Un robot insecto ha sido introducido en una colonia de cucarachas y ha pasado desapercibido debido a las feromonas que emitía y a que su comportamiento reflejaba las pautas modelizadas informáticamente de una colonia de estos animales. El robot es producto del programa europeo llamado Leurre (señuelo) y su propósito es infiltrar robots en colonias de insectos para convertir una de estas máquinas en el líder del grupo e inducir discretamente comportamientos en la colonia que les lleven a cambiar de hábitat o a su destrucción. Una especie de Flautista de Hamelin a escala de insectos, aunque el proyecto pretende llevar el experimento a animales superiores como gallinas o corderos. Por Vanessa Marsh.

El primer minirobot (InsBot) capaz de infiltrarse en una colonia de cucarachas sin llamar la atención, así como de controlarla y destruirla, ha sido desarrollado por ingenieros de la Universidad Libre de Bruselas y de otros centros europeos de investigación. Si bien su forma física no es la de un insecto, sino la de un cubo, a efectos del camuflaje la apariencia del insecto robot no tiene mayor importancia, ya que lo que cuenta son sus movimientos porque las cucarachas no hacen distinciones físicas, lo que le hace indetectable al resto de la colonia como un ser extraño.

HOLY FIRE

2008-04-17T10:54:00.001-07:00

Exposición organizada en el Centro para la Cultura Digital y la Tecnología, IMAL (Interactive Media Art Laboratory) de Bruselas, por su director Yves Bernard y el comisario italiano Domenico Quaranta. Propuestas que ofrecen diversas obras de arte digital.

Muestra, que reúne medio centenar de obras de 29 artistas internacionales de larga trayectoria.

Entre ellos un español, Joan Leandre, conocido por sus manipulaciones de videojuegos, que exhibe unas impresiones (propiedad de la colección italiana Project Gentili de Prato), de su obra más reciente The Kernel Peak: At my Limit, un vídeo en 3-D, donde el kernel, corazón de todo sistema operativo, se convierte en el protagonista de un relato simbólico, que combina ciencia-ficción, teoría del complot y mapas satelitales.

Asimismo exhibe Gazira Babeli, la primera artista que vive y trabaja sólo en el universo virtual de Second Life (mundo virtual lanzado en el año 2003, desarrollado por Linden Research, Inc. Y que en la actualidad es uno de los más visitados y demandado para generar dinero real, etc.)

El arte digital ya forma parte del circuito comercial y está siendo adquirido no sólo por museos e instituciones, comprometidas con el apoyo a la creación, sino también por galerías y coleccionistas privados.

Ha dejado de ser una creación carente de interés mercantil, a un arte de creciente comercialización

DEAD IN IRAQ

2008-04-16T17:45:00.000-07:00

Joseph Delappe ha desarrollado una obra crítica dentro de un entorno virtual, protestando en contra de la guerra de Irak.

Parte de un videojuego AMERICA'S ARMY (creado por el ejército de Estados Unidos con fines de reclutamiento), en el cual el artista escribe dentro del juego los nombres de los soldados norteamericanos muertos en Irak, nombres que el resto de usuarios pueden ver. Su forma de trabajo dentro del juego es dejarse matar y mientras espera a renacer, envía un mensaje a todo el mundo con el nombre, la edad y la fecha de la muerte de cada soldado caído.

Es una protesta y a la ve un tributo a todos los reclutas que murieron durante la ocupación. Del mismo la obra de DeLappe, quiere llamar la atención sobre cómo los juegos online pueden convertirse en espacios públicos y politizados. Y establece un vínculo entre el mundo fantástico del juego y la realidad de la guerra.

Arte y consumo. Veinte artistas y un bolso de Chanel

2008-04-10T04:37:00.000-07:00

A través del pequeño reproductor MP3, nuestro guía de la visita, la voz de una mujer que emula a Coco Chanel suena hipnótica y sugerente. «Estaba esperándote. Quiero revelarte mis secretos», susurra a ritmo de «chill out» invitando a adentrarse en la exposición «Arte móvil», una innovadora muestra en la que 20 artistas homenajean al mítico bolso acochado «2.55», diseñado por Chanel hace ya cinco décadas. En una jugada promocional perfecta, la famosa multinacional de moda ha reunido a lo más selecto del panorama artístico contemporáneo en una exhibición itinerante donde no sólo sus obras viajarán por varias ciudades, sino también el pabellón donde se exponen. Diseñado por la iraquí Zaha Hadid, ganadora del prestigioso premio Pritzker de Arquitectura, este futurista edificio se monta y desmonta en veinte días gracias a sus 700 piezas móviles.

Y tras la muestra de importantes y arriesdagas obras de diferentes artistas como Daniel Buren, Yang Fudon, Subodh Gupta y Yoko Ono entre otros, podemos escuchar: «Y, si sigue interesado en las obras de Chanel, no olvide visitar nuestras boutiques aquí en Hong Kong», que recuerdan las azafatas a la salida de este gran anuncio con forma de museo que ha hecho del consumismo todo un arte.

El pabellón desmontable de Zaha Hadid, en el paisaje urbano de Hong Kong, que acoge la exposición inspirada por la modista francesa Coco Chanel (arriba) y su bolso acolchado. Debajo, la instalación creada por el artista japonés Tabaimo. La muestra viajará por varias ciudades del mundo.

Se puede leer toda la información acerca de esta exposición en este link: http://www.abc.es/20080329/prensa-sabados-sabados/arte-consumo-veinte-artistas_200803290259.html

El Eje Atlántico y su Paisaje Sonoro

2008-04-09T09:50:00.000-07:00

El Eje Atlántico y su Paisaje Sonoro.

Festivales, sellos, artistas...
Murmullos en la franja oeste de la península.

Tópico es el sempiterno concepto de “Eje Atlántico” y tópica es la supuesta buena relación de hermandad entre gallegos y portugueses. Pero, aunque por estas tierras circula este dicho, la buena y fructífera interacción sonora entre Galicia y Portugal es una realidad palpable, y con verdaderas perspectivas de crecimiento. Por un lado, (elgallego), está el colectivo SINSALaudio (Vademecwm, programa de Radio, productora, tienda de discos y parte del Encuentro de Arte Sonoro y Visual IFI) y por el otro, (el portugués); Materia Prima, (productora, distribuidora, Bienal de Maia, Festival Sonoro Braga). Ambas empresas se han asociado para programar/producir conciertos y eventos sonoros y ahí están los resultados: uno, la programación conjunta de Vademecwm y Aniki Bobo (Vademecwm y Materia Prima), que ya conocemos, y dos, la colaboración estrecha que en estos momentos mantienen el Festival Sonoro de Braga y el Encuentro, también sonoro y visual, IFI, en la Facultad de Bellas Artes de Pontevedra. Ambos festivales comparten intenciones, artistas y muy pronto, espacios. Artistas sonoros como Berio Molina, Silvia Argüello o Longina (con participación este año en Arsónica, Observatori y LEM), productores como Fran R., Djs como Víktor Flores o Nacho (con amplia proyección en Portugal) y artistas plásticos como Xoán Anleo, Salvador Cidrás, Montse Rego o Mónica Alonso defienden el lado gallego y desde Portugal, los más cercanos al combo SINSAlaudio-Materia Prima son el trio @C, un proyecto formado por el artista plástico Pedro Tudela, el diseñador Miguel Carvalhais (uno de los webmasters de Mille Plateaux+satélites) y Pedro Almeida, músico Glitchcorista, el Colectivo Müesli, con Yoko Tsuno en cartera, y un montón de artistas (Net-Art, Sonoros) que es imposible nombrar en estas lineas. Para continuar la recta hasta Lisboa y trazar así el definitivo eje atlántico (Vigo-Porto-Lisboa), destacar las labores de Ananana (Lisboa) en la programación de eventos, distribución de discos y ediciones de su sello discográfico. Hablando de sellos y propuestas arriesgadas; SINSALaudio estrenará sello durante el 2003, desde Porto Variz está publicando una referencia bimensual y Grain of Sound, (el equivalente de Alku o algún momento de Sp-ark) edita sus trabajos en Cd-R (Koji Asano) con una presentación cuidadísima y con un pie en el próximo IFI. Sirr.ecords (Pimmon) también es un sello Portugués. Portugal en 2 minutos. Festivales, encuentros, artistas, sellos, músicos... Portugal es una tierra muy proclive a los festivales. Se produce un fenómeno muy peculiar, y es que en zonas rurales pequeñas, se presentan los mejores festivales y bienales de arte del pais. Este es el caso de Vilanova da cerveira, Maia, Paredes de Coura o Vilar de Mouros. En cuanto a festivales Laptop-istas, también han desarrollado un circuito importante: Festival de Arte y Poesía Sonora de Foz, Festival de Braga...También tienen su Benicassin; el Festival do Sudoeste y algún Observatori como el Festival Número (octubre: Julee Cruise, Plaid, Simon Fisher Turner...) y el Festival Co-Lab (más experimental). Destacar también la programación musical de la Fundación Serralves (Siza), el Museo de Arte Moderno de Porto, que cada mes sorprende con alguna actuación o exposición cercana a la dichosa cultura de clubs (David Top, Terre Thaemlitz , Thomas Brinkmann, Rafael Toral, Biosphere...)

Otro fenómeno portugués es la proyección internacional y esa actitud “global” de sus artistas que conectan inmediatamente con las inquietudes mundiales (no olvidemos que el inglés es la segunda lengua de los portugueses), este es el caso de Rafael Toral (colaboraciones con Lee Ronaldo), Heitor Alvelos (visuales de Biosphere), Manuel Mota, Telectu o Osso Exótico. Chiu LG (SINSALaudio, Vigo)

Visit:

COLECTIVOS/SELLOS
http://www.sinsalaudio.com
http://www.audioespacio.com
http://www.materiaprima.pt
http://www.grainofsound.pt
http://www.ananana.pt/
http://ossoexotico.planetaclix.pt/
http://www.sirr-ecords.com/
FESTIVALES
http://sonicscope2001.no.sapo.pt/
http://www.co-lab.pt/
http://festivais.clix.pt/
http://www.numerofestival.com/
ARTISTAS
http://www.at-c.org/
http://www.rafaeltoral.net
http://www.longina.com

Texto obtenido de la pagina: www.longina.com
TEXTO PUBLICADO EL LA REVISTA SUITE. OCTUBRE 2002

Free Sound Project

2008-04-09T09:36:00.000-07:00

The Freesound Project.
Intercambio abierto y libre de sonidos en Internet. Cultura libre
Freesound es una comunidad en Red que respalda el intercambio libre y gratuito de sonidos entre artistas, investigadores y demás interesados en el mundo del audio. El sitio web freesound.iua.upf.edu permite participar a todo aquel que lo desee, bien sea subiendo o descargando archivos de sonido. El proyecto, que ha sido impulsado por el Grupo de Tecnología Musical de la Universidad Pompeu Fabra de Barcelona, ofrece a los usuarios la posibilidad de añadir descripciones y etiquetas a cualquier sonido de una base de datos interna. Gracias a un motor de busqueda que utiliza tecnologías desarrolladas por el Grupo de Tecnología Musical, es posible buscar sonidos en función de su similitud y de las relaciones semánticas que se establecen entre ellos a partir sus descripciones. Freesound busca dar un soporte continuo al intercambio legal y abierto de audio. Los sonidos cedidos por los miembros de la comunidad están públicamente disponibles bajo la licencia "Creative Commons Sampling", que permite de manera gratuita cualquier uso del material sonoro, siempre que el origen del sonido sea explícitamente reconocido. Los sonidos que se pueden encontrar en la página web del proyecto incluyen grabaciones de campo, efectos sonoros, grabaciones de instrumentos musicales y también sonidos procesados electrónicamente. "La variedad de sonidos que han subido los usuarios es realmente sorprendente", afirma Bram de Jong, el creador del proyecto. "Tenemos, por ejemplo, grabaciones de alta calidad de copas de vino afinadas, sonidos reales y sintetizados de pájaros, sonidos urbanos etc." Según Xavier Serra, investigador en el campo del análisis del audio y director del Grupo de Tecnología Musical, "uno de los objetivos principales de este proyecto es facilitar los trabajos de investigación que estudian las relaciones entre grandes colecciones de sonidos. A menudo, este tipo de colecciones deben ser adquiridas a precios significativamente altos.
Deseamos poder rebajar el coste de entrada a este apasionante campo de investigación y permitir que se desarrollen proyectos que hasta el momento no han podido llevarse a cabo". El proyecto ha atraído a más de 500.000 usuarios que han aportado 45.000 ficheros de audio. El pasado mes de diciembre, Google entregó 50.000 dólares a Freesound para invertir en investigación. Esta entrega sin letra pequeña fue recibida como un regalo divino, y está siendo utilizada para reescribir Freesound de manera que sea posible soportar la cada vez más alta demanda de uso.

texto extraido de: http://labuenanoticia.com

mas información en: http://freesound.iua.upf.edu/

GRANOS DE CORAZÓN

2008-04-09T08:38:00.000-07:00

Un objeto de diseño crítico, dirigido a criticar el consumismo de la sociedad y nuestra cultura de consumo.

Un dispositivo de forma orgánica, para moler café dependiendo de tus latidos cardiacos y de la presión de tus dedos en un par de sensores. Los alumnos (estudiantes de joyería en la matería Food for Thought en la Academia Para Artes y Oficios de Bezalel, Israel) se enfocaron a crear una experiencia humana a partir de un objeto en el cual puede crearse un vínculo afectivo por su forma similar a la de un bebé o un instrumento musical y añadiendo a eso el placer que, para algunos, provee el café.

El resultado es un producto comercial no comercial, sólo hay 1 y no se vende pero todos lo querrán.

El proyecto, claro, está licenciado bajo Creative Commons 3.0. es un claro ejemplo de cómo se une la tecnología y el diseño.

Podeis ver el vídeo en el siguiente link. http://www.youtube.com/watch?v=7mnNAB0lPsg&eurl=http://trikinhuelas.com/archivos/2008/03/12/granos-de-corazon/

AUDIOPAD

2008-04-01T08:15:00.000-07:00

Audiopad es un revolucionario interfaz para crear música que ha

sido desarrollado por un estudiante del MIT (Instituto de Tecnología

de Massachussets), llamado Ben Recht. Es una nueva forma de

desarrollar nuevos instrumentos musicales.

Básicamente es un elemento que nos permite tanto la creación como

la ejecución de piezas electrónicas mediante el seguimiento del

desplazamiento y localización de objetos sobre una superficie

capaz de transformar dichas acciones en sonidos.

El sistema, además, no tan solo permite la interpretación de música,

sino además crea un interesante diálogo táctil visual entre el ejecutante,

la pieza y la audiencia.

Graffiti Research Lab

2008-03-31T10:05:00.000-07:00

Graffiti Research Lab es un grupo de activistas el cual ha

desarrollado un sistema interesante de graffiti basado en luz.

Este grupo investiga el futuro del arte urbano cuando nos

hayamos aburrido del stencil y el spray de pintura.

El lugar de trabajo de estos artistas se encuentra en el Eyebeam

en Nueva York. Los miembros de este colectivo desarrollan fórmulas

asequibles y completamente 'open source' para introducir en el espacio

de las calles herramientas y lenguajes que proceden de la cultura digital.

Vale la pena echar un vistazo a su web, y especialmente a los vídeos que

muestran al grupo en acción. (www.graffitiresearchlab.com)

Sexo y matrimonio con robots

2008-03-31T06:20:00.000-07:00

Saturday, 13 de October de 2007

Robots

En 5 años no será un escándalo practicar sexo con robots, y hacia el 2050 se legalizará el matrimonio mixto robots-humanos. Esta es una de las conclusiones más llamativas de la tesis presentada por el investigador en Inteligencia Artificial David Levy en la Universidad de Maastricht. Es más: pronostica que el primer matrimonio se celebrará en Massachusetts.
Datos:
1. Los robots son construidos con funcionalidades e interfaces cada vez más cercanas al modelo humano.
2. Esta similitud intensificará afinidades y complicidades
3. Hace sólo décadas estaban prohibidos los matrimonios interaciales y todavía hay prejuicios contra el homosexual
4. Podría ser una buena solución para pederastas y demás enfermos sexuales
5. También podría ser un complemento a la relación clásica entre humanos

Super Mario Clouds. (Cory Arcángel)

2008-03-30T06:56:00.000-07:00

Super Mario Clouds, de Cory Arcángel, es un guiño nostálgico al videojuego Super Mario Brothers.

Para la creación de Super Mario Clouds, Arcángel destripó el conocido juego de Super Mario Brothers (1985); este apunta a una sensibilidad semejante, por cuanto presenta al mismo tiempo una espartana estética y una actitud rebelde y desafiante que cuestiona la concepción habitual de la autenticidad artística.

Arcángel realiza una hacheado del videojuego, mostrando una obra más lúdica que crítica (los hacker principalmente se dedican a la crítica). Arcángel entiende la apropiación como algo natural, como si el aprovechamiento de muestras de la propiedad intelectual de la empresa de juegos y otros programadores fuese el proceso habitual de autoría.

Arcángel desprecia el realismo gráfico de juegos contemporáneos y prefiere regodearse en el crudo esquematismo de los primeros videojuegos. Super Mario Clouds es asimismo una evocación de la adolescencia del propio autor, y en concreto de la figura del nerd o «pirado de la informática»

VELVET STRIKE [Anne-Marie Schleiner, Brody Condon y Juan Leandre]

2008-03-30T06:15:00.000-07:00

Velvet Strike es una intervención artística que permite al participante inserta lo que los artistas llaman «graffiti antimilitar» en el espacio virtual de Counter –Strike, se podría decir que se organizan protestas virtuales mediante los personajes del juego. Velvet Strike no critica la violencia en los juegos en sí. La obra pretende que reflexionemos sobre qué es lo que está en juego en los mundos virtuales en los que soldados y civiles se sumergen en una época en la que la guerra real se parece más a la de los videojuegos y los juegos de ordenadores se asemejan cada vez más a la vida real.

El juego permite crear y utilizar una colección de graffitis en contra de la guerra, dejando mensajes pacifistas en las paredes del decorado del juego, que tiene lugar en el escenario del juego comercial. El jugador forma parte de una unidad de ataque, sin embargo las armas no disponen de balas, sino de sprays para realizar graffitis pacifistas en los muros de los diferentes entornos espaciales.

Esta iniciativa dio comienzo con el principio de la guerra de Irak, después de la invasión del gobierno estadounidense de Bush.

Velvet Strike no es el único videojuego en red manipulado por el artista, existen muchos otros. Estos manipulan el sistema cerrado del juego, para así destruir el medio "aferrado" de "no imaginación", de las grandes empresas productoras de juegos virtuales

web oficial del juego: http://www.opensorcery.net/velvet-strike/screenshots.html

InstantSOUP. Manual de Arte Interactivo.

2008-03-26T15:16:00.000-07:00

¿Qué es InstantSOUP?

InstantSOUP es un camino en la electrónica utilizando el enfoque de "aprender haciendo", enseñando prototipos electrónicos, de carácter no técnico.
Se desarrolló a raíz de la experiencia adquirida en la enseñanza de física en el diseño de interacción Interacción-Ivrea.

InstantSOUP está destinado a un público de estudiantes de diseño, diseño de interacción, diseño de productos, arquitectura, y de la gente que trabaja con Macromedia Flash ™ y Action Script.
Hace los primeros pasos en el mundo de la física de prototipos casi tan fácil como preparar sopa instantánea.
InstantSOUP es una forma de conectar los mundos físico y virtual. Te enseña cómo hacer dispositivos de entrada física para juegos, la manera de conectar objetos electrónicos a Flash, como activar objetos físicos desde lugares remotos e incluso te enseña la manera de crear robots.
Cuando se empiezan a mezclar los diferentes ingredientes de la sopa, sus posibilidades son bastante extensas.
InstantSOUP utiliza el lenguaje de cableado y tablero de prototipos desarrollados por Hernando Barragán en la interacción de Ivrea.

Joan Brossa en la Casa Zavala

2008-03-24T05:48:00.000-07:00

A partir de este viernes 28 de Marzo se podrá visitar en el Museo Casa Zavala de Cuenca la exposición temporal de Joan Brossa, "Joan Brossa, en las alturas y sin red", artista catalán cuyas obras y poesías visuales compartirán espacio expositivo con el fondo permanente de Saura al que da cabida en esta última etapa y reapertura como Fundación que lleva su nombre.

Joan Brossa
Casa Zavala Fundación Antonio Saura

Jugar usando sólo el cerebro

2008-03-05T05:21:00.000-08:00

Los jugadores pronto podrán interactuar con el mundo virtual usando únicamente sus pensamientos y emociones.

El neuro auricular Epoc que interpreta la interacción de las neuronas del cerebro saldrá a la venta este año.

"Capta la actividad eléctrica del cerebro y envía señales inalámbricas a una computadora", afirmó Tan Le, presidenta de la firma Emotiv, de propiedad estadounidense y australiana.

"Permite al usuario manipular un juego o entorno virtual de manera natural e intuitiva", añadió.

El cerebro está formado por unas 100.000 millones de células nerviosas o neuronas, las cuales emiten un impulso eléctrico cuando interactúan. El auricular usa tecnología conocida como electroencefalografía (EEG) no invasiva para captar la actividad neurológica.

Según Le: "Emotiv es una empresa de ingeniería neurológica y hemos creado un interfaz cerebro computadora que lee los impulsos eléctricos del cerebro y los convierte en órdenes que puede aceptar un video juego permitiendo controlar un juego de forma dinámica".

Los auriculares que captan la actividad neurológica no son nuevos, pero la presidenta de la compañía asegura que el Epoc fue el primer aparato comercial usado para juegos.

"Éste es el primer auricular que no requiere una amplia red de electrodos o un técnico para calibrar o dirigirlo y no requiere poner gel en el cuero cabelludo", afirmó.

El uso de la electroencefalografía en las prácticas médicas data de hace casi 100 años pero fue sólo en los años 70 cuando el procedimiento fue usado para explorar la interfaz entre el cerebro y la computadora.

Expresiones y emociones

(El auricular) capta la actividad eléctrica del cerebro y envía señales inalámbricas a una computadora

Tan Le, presidenta de Emotiv

La tecnología Epoc puede usarse para proporcionar verdaderas expresiones faciales a las expresiones de avatares de jugadores. Así por ejemplo, cuando un jugador sonríe, guiña el ojo o hace una mueca, el auricular detecta la expresión y la transmite al avatar en un juego.

También puede leer las emociones de los jugadores y traducirlas al mundo virtual. "Podría usarse el auricular para mejorar el realismo de las respuestas emocionales de los personajes de inteligencia artificial de los juegos", dijo Le.

"Si reíste o te sentiste feliz tras matar a un personaje en un juego, tu compañero virtual podría llamarte la atención por ser demasiado cruel", añadió.

El auricular de US$299 tiene un giroscopio que dirige el movimiento y un dispositivo inalámbrico para comunicarse con un receptor USB conectado a la computadora.

El auricular Emotiv podría detectar más de 30 expresiones, emociones u acciones diferentes.

IBM

Éstas incluyen excitación, meditación, tensión y frustración. Las expresiones faciales incluirían sonreír, reír, guiñar el ojo y enojo (frunciendo el ceño). Además de acciones cognitivas como empujar, estirar, levantar, tirar y rotar (en seis ejes distintos).

Los jugadores serán capaces de mover objetos en el mundo virtual simplemente pensando en ello.

Emotiv está trabajando con IBM para desarrollar tecnología para "mercados de negocios estratégicos y mundos virtuales".

Según Paul Ledak, vicepresidente de convergencia digital de IBM, los interfaz cerebro computadora como el auricular Epoc son un componente importante del futuro Internet en tres dimensiones y el futuro de las comunicaciones virtuales.

Los sensores responden a impulsos eléctricos detrás de pensamientos distintos, permitiendo al cerebro del usuario influenciar el juego directamente

Pensamientos conscientes, expresiones faciales y emociones inconscientes pueden ser detectadas

El giroscopio permite controlar el cursor o la cámara con movimientos de cabeza

El auricular utiliza wi-fi para conectarse a una computadora

Los jugadores serán capaces de mover objetos en el mundo virtual simplemente pensando en ello.
Emotiv está trabajando con IBM para desarrollar tecnología para “mercados de negocios estratégicos y mundos virtuales”.

MASTER EN TEORÍA Y PRÁCTICA DEL DOCUMENTAL CREATIVO.

2008-03-04T03:47:00.000-08:00

Se celebra el decimo aniversario del master del documental creativo en la Universidad de Barcelona, por lo que la tercera semana de enero de 2008, cuatro celebres del documental, van a ir a enseñar a los alumnos. estos grandes prestigiosos del documental son:

-Sergei Loznitsa es uno de los más prestigiosos directores rusos contemporáneos. Su obra ha sido objeto de retrospectivas y reconocimientos en incontables festivales como Sheffield, États Généraux du Film Documentaire o Mar del Plata.Los documentales de Loznitsa esbozan el retrato de una humanidad que lucha contra el paso del tiempo y que se ve sometida a cambios económicos, sociales y políticos de gran amplitud. Basados en una investigación sonora muy trabajada, los rasgos comunes atraviesan el conjunto de su obra son: el interés por el trabajo cotidiano de las gentes sencillas (obreros y campesinos), la reflexión sobre la noción de comunidad (fortuita en el caso de encuentros en singulares espacios u obligada en el caso de los desfavorecidos) o la atención fijada en los gestos y posturas del cuerpo y su ritmo (abandono, espera, actividad).

-Lech Kowalski nace en Londres en 1951 y a los 21 años emigra a los Estados Unidos. Mientras estudiaba en la Escuela de Artes Visuales de Nueva York, conoció a la directora de cine y una de las pioneras del cine directo, Shirley Clarke.

-Lourdes Portillo se dedica a la creación de filmes y vídeos que documentan y exploran en el mundo de la experiencia latina/ chicana en la América actual. Siempre ha pretendido de diferentes formas informar, promover y propagar el diálogo en lo que respecta a los asuntos y la identidad latina ante la población general, concretamente ante las comunidades latinas y chicanas. También ha pretendido experimentar con los límites de la forma documental, ampliándolos, característica por la que se la identifica.

-Andrés di Tella es un documentalista dentro del campo cinematográfico argentino. Se identifica con la mezcla de registros documentales y dramáticos. Explora los procesos de expresión del documental para mostrar cada vez con más profundidad las múltiples cargas semánticas contenidas en las distintas realidades que registra. Sus últimos filmes se introducen en el terreno de la autobiografía, la reflexión y el ensayo cinematográfico.

Perfección para el consumo

2008-02-27T04:52:00.000-08:00

Una mujer perfecta se ofrece para tu consumo, creada a la altura de tus aspiraciones. Solo necesitas someter tu descripción, tu idea de perfección, para definirla a tu medida. Ella se someterá a voto popular, se transformara siguiendo el modelo de mayor demanda. Ella saltará de la pantalla a la vida del elegido, aquel participante cuya descripción gane el concurso por votación popular

http://www.perfectwomanproject.com/ es un proyecto que empezó en el mundo virtual, el espacio de múltiples identidades construidas ficticiamente, bajo las que se esconden individuos que juegan con reinventarse, protegidos por el anonimato que les ofrece la web.Este anonimato es el que ha permitido la participación de numerosos individuos en este proyecto de una artista cuyo campo de acción es el de la interacción mediática con su cuerpo. Este proyecto es un trabajo híbrido de arte de performance y nuevos medios, en las fronteras del arte vida y las estéticas relacionales. Hace también referencia a los programas de reality tv; pues el final de la acción considera la transmisión en la web de una serie de citas con el ganador de la votación. La artista se comportara siguiendo las descripciones de conducta proveídas por la descripción ganadora, incluyendo expresiones afectivas y sexuales. La artista cambiara su apariencia recurriendo a la cirugía estética si es necesario. Así permanecerá por un tiempo, el que dure su nueva relación con el ganador.La relación de la artista con el participante ganador Serra grabada y transmitida por medio de una cámara web a trabes del sitio web del proyecto. El publico internauta podrá así participar de este experimento, a través del tiempo compartido frente a la cámara web.

http://www.perfectwomanproject.com/ es un estudio sobre genero, consumismo y las conductas sociales que soportan los programas de reality tv. El amor y la posibilidad de esa pareja perfecta se anuncia como otro producto de consumo a través de los medios. En el proyecto de la mujer perfecta, el ultimo objeto de consumo es ella misma. El proyecto se inicio en Noviembre del ano 2007, con la convocatoria a someter descripciones de la mujer perfecta.En Mayo del 2008, se producirá el encuentro con la persona que presento la descripción ganadora, que se seguirá a través del sitio web del proyecto gracias a la cámara web. La mujer perfecta intentara una relación con dicha persona. Como en un reality tv show, podremos asistir a la fase final de este proceso, y participar a través de la net de los resultados de esta experiencia cuyo espacio son el cuerpo y mente de la artista, del otro participante y nuestra interacción como voyeurs en la net

YOUNG-HAE CHANG HEAVY INDUSTRIES

2008-02-26T19:27:00.000-08:00

Young-Hae Chang Heavy Industries (Young-Hae Chang y Marc Voge) es un tándem de artistas americano-coreanos con base en Seúl que «fabrica» desde 1999 proyectos de animación digital para Internet. Sus obras son partituras textuales, minimalistas, muy elaboradas, que combinan ritmo, texto y jazz, samba o bossa nova, dejando voluntariamente a un lado cualquier efecto ilustrativo para dejar al espectador frente a una narración incisiva. Personalmente me gusta su trabajo, echadle un vistazo.

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Software, música y cultura

2008-02-17T12:03:00.000-08:00

Software, música y cultura
ENRIKE HURTADO www.artelaku.net

El alcance de la influencia que las tecnologías digitales han tenido en la creación, producción y difusión musical hubiera sido impensable 10 años atrás. El autor se centra en el análisis de una de estas nuevas herramientas, y repasa brevemente la historia de la música electroacústica experimental y apunta el futuro del entorno digital. En los últimos años la música está sufriendo una profunda transformación debido a la influencia de la tecnología. Su soporte, el sonido, puede ser generado, transformado, distribuido y reproducido mediante medios digitales de modo absolutamente impensable hace tan sólo 10 años. Una de las consecuencias de este nuevo potencial es que las barreras entre música culta y popular han saltado en pedazos gracias a la socialización de la tecnología y de los medios digitales de producción y distribución musical. Por otro lado, el intercambio de música a través de Internet está dando un vuelco a conceptos fundamentales como son el copyright, original/copia o canal de distribución, mientras la calidad de sonido se abandona en beneficio de la accesibilidad gracias a los formatos digitales de compresión de audio1. Las nuevas herramientas de producción generadas por este cambio permiten a cualquiera trabajar en casa con calidad profesional, lo que a su vez está provocando el fin de la separación entre artista/productor/distribuidor/receptor. Actualmente, el volumen de producción musical es astronómico, es impensable siquiera intentar llevar la cuenta de todo lo que se publica, y menos aún escucharlo. Como consecuencia de todo lo anterior, la música, industria del entretenimiento por excelencia durante los 80, está desintegrándose en infinitos núcleos de producción y canales de distribución, como ejemplo baste citar la proliferación de miles de diminutos sellos discográficos, que en su mayoría distribuyen su música gratuitamente a través de Internet.
En resumen, un nuevo universo está surgiendo ante nuestros ojos y por vez primera podemos participar activamente en su creación. Concurren infinidad de procesos y situaciones interesantes, sin embargo, este texto se va a centrar en una pequeña parte de todo este mare mágnum: la relacionada con la creación de música con ordenadores, específicamente en las herramientas usadas para la creación de electroacústica experimental.

Si repasamos las pasadas décadas, veremos que durante la segunda mitad del siglo XX, la música experimental se fue desarrollado generalmente en torno a estudios de música electroacústica en grandes instituciones y laboratorios, como IRCAM en París o Bell Labs en EEUU. Estas instituciones acumulaban ( y controlaban ) los medios y las tecnologías de producción más modernas, que por su elevado precio no podían ser adquiridas por individuos. Posteriormente, la tecnología comienza a ser cada vez más barata y permite que durante los 80 se comiencen a realizar trabajos experimentales fuera de la influencia de estas grandes instituciones. Esto da lugar a un enorme aumento de la producción independiente y la drástica disipación de los límites entre música popular y culta. Durante los 90 la popularización de las tecnologías digitales provocó el cambio definitivo. Cualquier persona puede ahora realizar música de calidad profesional con una inversióneconómica mínima. Más aun, comienza la aparición de herramientas específicas para el ordenador: si por un lado tenemos programas que simulan sintetizadores o mesas de mezclas, ahora vamos a tener programas que permiten crear procesos sonoros imposibles fuera del ámbito digital. Como consecuencia de todos estos avances tecnológicos y su enorme influencia, hoy día es prácticamente imposible encontrar un solo disco donde no se hayan usado ordenadores o herramientas digitales en algún momento del proceso de creación y realización. Hoy día, la increíble flexibilidad y polivalencia del ordenador para generar y manipular sonido ha abierto un enorme abanico al músico, una paleta sonora virtualmente infinita que contrasta con los límites de la orquesta y los instrumentos tradicionales. Ahora bien, es muy fácil caer en la idea de que los medios digitales nos permiten hacer "todo". Hoy por hoy el ordenador no nos permite, por ejemplo, igualar el hecho de tocar una trompeta con sus limitaciones y peculiaridades tan ricas en matices.

El ordenador es una máquina general que nos abre un nuevo mundo de sonidos y estructuras musicales, un mundo que no tiene por qué oponerse al mundo de los instrumentos "reales" sino que lo complementa y amplia. Ante esta situación se plantean, en mi opinión, una serie de cuestiones respecto a la creación de software, como son: ¿quién decide qué estructuras musicales incorpora el software que usamos para hacer música?, ¿para quién se diseña el software y con qué fines? Pero sobre todo, ¿en función de qué intereses y por quién son tomadas estas decisiones? "... software is not a "transparent" tool for the creation and processing of the digital product. It defines a quite limited space, within a specific framework in which people are required to work. [...] . In addition to the limitations of using computer programs there is also a certain predetermined position - a creative, social, even political one - into which the software user is put, not so much by the software's creators, but by more general power structures: the culture of software creation and media culture as a whole. And this, in turn, depends on the dominant social rules ..."3. No es difícil escuchar en algunas músicas la huella del software que ha sido usado para crearla. No sólo en la naturaleza de los sonidos sino también en las estructuras musicales que adopta. Cualquier software impone unos límites y reglas por muy transparente o neutral que parezca. Por ejemplo, la mayoría de las cajas de ritmos incorporan los convencionalismos sobre lo que "debe" ser un ritmo. ¿Pero, quién establece lo que es aceptado como ritmo y lo que no? ¿Qué hay de las estructuras rítmicas de culturas no anglosajonas?5 ¿Aceptamos estos conceptos predefinidos porque nos interesa trabajar a partir de ellos, o porque no nos planteamos otras posibilidades diferentes? ¿Cómo podemos incorporar nuestra subjetividad al software, si éste es algo que "nos viene dado"? "We are not so naive to believe that the ‘media question’ might be a matter of technology or aesthetics. It's a matter of power. Still, the passion is there, time and again, to stretch the possibilities of software, experiment with new forms of narrative and dream up even better feedback loops for the users-producers"6. Frente a este dilema se plantearían dos líneas o posibilidades de actuación. La primera se centra en la apropiación de las herramientas existentes, mediante el uso “subversivo” o“mal uso”, mediante el método de empujarlas y enfrentarlas contra sus propios límites. La segunda, propone la construcción de herramientas que incorporen las nuevas necesidades personales y colectivas. La división entre estas estrategias es difusa y probablemente inexistente; en general, las dos posturas se solapan. En ambos casos el fin es el mismo; conseguir un uso personal y subjetivo del ordenador, dar cabida a actitudes y comportamientos diferentes a los que se nos ofrecen desde la cultura mainstream y los mass media musicales. En relación a estas ideas, es interesante situar el concepto del hacker donde encontramos la síntesis de ambas estrategias; hacker sería aquella persona que usa y modifica una herramienta de una manera o para un fin para el que no había sido ideada, con la intención de solucionar un problema o carencia. Esta primera línea de actuación, la basada en la subversión del software, derivó en la estética del “glitch”, ( “error” en inglés ). Esta dirección ha sido muy popular durante los últimos años hasta el punto de convertirse en todo un movimiento mainstream7, cuyas formulas se repiten una y otra vez. En cuanto a la creación de software, ésta ha sido tradicionalmente una tarea reservada a unos pocos ingenieros o a “freaks”, pero en un futuro próximo, es más que probable que todos podamos programar en cierta medida. Habría que resaltar cómo en el mundo del Free Software8 se están creando cada vez más librerías y herramientas de programación de uso gratuito y código abierto, tales como Pure Data, Supercollider o Python. Las dos primeras permiten la creación de software de audio a la medida, y Python facilita el desarrollo de todo tipo de software e interfaces.

A pesar de todo, la realidad es que gran parte del software desarrollado por programadores independientes no hace sino replicar esquemas ya conocidos. Y es que de nada sirve construir una herramienta propia si al final se usa para crear techno al uso, o ejercitar la transgresión si es bajo el amparo de un “movimiento” y, en definitiva, no se aporta nada desde lo personal. En todo caso me parece interesante extraer del mundo de la programación y del diseño de software la idea de prototipo como herramienta y modelo a usar, tanto a nivel conceptual como práctico. El prototipo permite intentar diferentes soluciones con ligereza y agilidad. Permite cambiar de rumbo, equivocarse y divagar pagando un coste logístico mínimo. Frente a la pesadez y complejidad de las grandes empresas, hay que apostar por el "Do it yourself“, la tecnología casera, el reciclaje de software y de hardware, la recombinación de tecnologías y el trabajo colectivo, modular y descentralizado. Conocer las posibilidades y límites de estas nuevas herramientas y tecnologías es fundamental para su uso consciente y coherente. Quizás entonces podamos comenzar la construcción de espacios propios en el entorno digital, que es cada vez más, para bien y para mal, nuestro día a día. Hoy más que nunca, como decían los Clash, el futuro está por escribir.

1
Por cierto que esta idea plantea varios interrogantes interesantes. Por ejemplo, sobre la
forma en la que escuchamos música; ¿qué es lo importante, la escucha o reconocer la
canción?
2
Institute of Research and Coordination in Acoustics.
3
Hay quien llega a afirmar que en algunos casos la música es obra de los creadores del
software y no de los músicos que usaron el software para hacerla.
4
Artistic Software for Dummies and, by the way, Thoughts About the New World Order.
Olga Goriunova, Alexei Shulgin
5
La cultura digital es principalmente anglosajona. El inglés es el idioma por excelencia de
Internet y los ordenadores, así como de la cultura de creación de software. Y por supuesto
también lo es de las ideas y conceptos que el software incorpora.
6
Reverse Engineering Freedom. The Revolution Will Be Metatagged. Geert Lovink &
Florian Schneider. October 2003
7
Lo considero un movimento mainstream dentro del submundo de la música electrónica
experimental. No creo que sea menos mainstream Kim Cascone que Britney Spears. Hace
tiempo que perdimos la escala y todos los “mundos” están ya al mismo nivel,
independientemente del volumen de ventas o de la cantidad de seguidores; no es tanto una
cuestión de medida como de uso, intenciones y sentido

ENRIKE HURTADO MENDIETA es diseñador/programador de software de sonido y
multimedia. Pertenece al colectivo de creación de software experimental
ixi software (http://www.ixi-software.net). Vive y trabaja en Sodupe (Bizkaia) y en San
Sebastián.

Glitch...

2008-01-30T11:11:00.000-08:00

Glitch...

Glitch Definición: Una serie de artistas exploran la debilidad de los errores informáticos para producir un arte experimental, que intenta evitar las resonancias de frialdad lógica e imprecisión humana, normalmente asociadas a los ordenadores. Intentan desarrollar un arte opuesto a este tópico; trabajan con un modelo alternativo, basado en el error y el azar, desde una estética de lo inacabado. El término “glitch” proviene de la electrónica y se utiliza para referirse a un impulso eléctrico de corta duración, que resulta de un error en el diseño de un dispositivo. Relación con Hiperiment Permite desarrollar un concepto de arte digital más humanista, basado en el error en lugar de la precisión, extendiendo de manera significativa conceptos como el arte en red, o hiperliteratura , sin necesidad de utilizar modelos matemáticos y estructuras inmutables.
Actores y eventos más relevantes
Mille Plateaux: sello discográfico especializado en música electrónica experimental y que ha ayudado mucho a potenciar el estilo glitch (también llamado a veces “clicks & cuts” en homenaje a una compilación de Mille plateaux con el mismo título).
Max: sofware para la creación musical y control de dispositivos electrónicos creado por el Institut de Recherche et Coordination Acoustique/Musique (Ircam). Dispone de un lenguaje de programación visual que es muy popular para la creación de música en coordenadas glitch.
Jodi: Una de las obras de net.art pioneras y más reconocidas, wwwwwwwww.jodi.org, se basa de hecho en un glitch: un error en el etiquetado del html que convirtió los planos de una bomba atómica en un patrón abstracto.
El Dadá y fluxus, con su idea de crear arte a partir de errores y el azar, y especialmente Yasunao Tome, que creó el primer tema glitch de forma analógica rayando un Cd con diversos materiales y convirtiéndolo en un peculiar instrumento musical.
Valores éticos, políticos y sociales
El glitch devuelve el espíritu experimental a un arte digital basado en buena parte en la formalización matemática. Comparte el deseo de poder trabajar libremente con los productos culturales digitales, sin los impedimentos asociados a la propiedad intelectual.
Relación con otras utopías
Creative Commons: al tratarse de hallazgos debido a errores en el procesamiento del ordenador, es normal que los creadores de arte glitch no se consideren autores en sentido estricto. Muchas de sus obras, de hecho, violan el concepto de propiedad intelectual.
Hackers: con los hackers, los artistas glitch comparten el interés por entender cómo funciona un ordenador por dentro, y algunas de sus obras implican un conocimiento de sistemas operativos o hardware tan detallado que sus creadores son, de hecho, hackers.
Mashups: Como los mashers, los cradores glitch experiementan presentando músicas conocidas en contextos extraños. La diferencia está en que el contexto extraño no se escoge voluntariamente, sino que lo genera un error informático.

Información extraida de la exposición Hiperiment: un espacio experimental sobre el hipertexto como instrumento cognitivo y creativo. Mostrada en el CCCB Del 15 de septiembre al 28 de noviembre de 2004.
http://www.transit.es/hiperiment/index.htm

Las Estéticas del Error.

2008-01-30T10:43:00.000-08:00

Las Estéticas del Error

Son los errores los que guían la evolución; la perfección no ofrece ningún incentivo para el mejoramiento.
Colson Whitehead [1999]

La estética “post-digital” se desarrolló en parte como resultado de la experiencia de trabajar sumido en ambientes rodeados de tecnología digital: fanáticos de los computadores, impresoras láser, sonorización de los usuarios de interfases y el sonido de los discos duros. Pero más específicamente, es, por los “errores” de la tecnología digital, que este nuevo trabajo ha emergido: errores/fallas, virus, errores de aplicaciones, incompatibilidad de sistemas, clipping 2 , aliasing 3 , distorsión, ruido de quantización, incluso el ruido de las tarjetas de sonido, son los materiales primarios que los compositores buscaron para incorporarlos a su música. Mientras que las fallas tecnológicas están a menudo controladas y suprimidas - sus efectos quedan bajo el umbral de su percepción - la mayoría de las herramientas de audio pueden enfocarse en los errores, permitiendo a los compositores hacer de ellos el foco de su trabajo. En realidad el error se ha convertido en una prominente estética en la mayor parte de las artes de finales del Siglo XX, recordándonos que nuestro control sobre la tecnología es una ilusión y revelando que las herramientas digitales no son tan perfectas, precisas y eficientes como los humanos que las construyeron. Las nuevas técnicas son a menudo descubiertas por accidente, por alguna falla, intento técnico o experimento.

Una Breve Historia del Glitch
En algún momento de principios de los '90, la música techno se estableció como un género con fórmula predecible, sirviendo a un mercado más o menos estéticamente homogéneo de DJs y aficionados a la música dance. Concomitante con este desarrollo fue el crecimiento de DJs y productores ansiosos de expandir las aristas hacia nuevas áreas. Uno puede visualizar el techno como una gran máquina de apropiación postmoderna, con referencias asimiladoras de cultura, retorciéndolas y luego representándolas como un chiste.
Los DJs se proveyeron de samples obtenidos de oscuros vinilos que se vendían en tiendas de poca monta y se las arreglaron para mezclar cualquier cosa imaginable durante los sets para aquellos bailarines más aventurados. Siempre tratando de superarse entre sí y era sólo una cuestión de tiempo, para que los DJs desenterraran la historia de la música electrónica de tiendas baratas y arqueológicas. Una vez que se abrió la puerta para explorar la historia de la música electrónica, evocando a sus más notables compositores, se puso de moda. Un puñado de DJs y compositores estaban repentinamente familiarizados con los trabajos de Karlheinz Stockhausen, Morton Subotnick y John Cage y sus influencias ayudaron a expandir el movimiento glitch.
Un par de productores finlandeses llamados Pan Sonic - por entonces conocidos como Panasonic, antes que una corporación de abogados los animaran a cambiar su nombre - guió las primeras incursiones en la experimentación electrónica. Mika Vainio, la cabeza arquitectónica del sonido Pan Sonic, utilizó osciladores sine wave 6 y una colección de efectos de pedales poco costosos y sintetizadores para crear un sonido altamente sintético, minimal y bastante extremo. Su primer CD titulado Vakio fue editado en el verano de 1993 y fue un choque de ondas comparado con la dulce tensión del ambient-techno que era bastante popular en ese tiempo. El sonido de Pan Sonic era puro, fluorescente, de paisajes industriales; ensayos de tonos machacados y sometidos que salían lentamente, palpitando zumbidos y altos cambios de velocidad con estocadas de onda sinusoidal. El sello que fundó Vainio, Sähko Records, editó material de un creciente número de artistas, la mayoría de ellos en la sintética vena minimalista. Como ha sido discutido anteriormente, el proyecto germano Oval estuvo experimentando con las técnicas de saltos de los CDs que ayudó a crear una nueva vertiente del glitch, de movimientos lentos de densa y fugaces texturas. Otro grupo alemán que se llaman a sí mismos Mouse On Mars, incorporó esta estética de errores de lectura digital, dentro de una estructura más bailable, cuyo resultado son oscilaciones de baja fidelidad, retorciéndose unas a otras. Desde mediados de los '90 en adelante, la estética de los errores de lectura digital [glitch] apareció en varios subgéneros, incluyendo drum'n'bass, drill'n'bass y triphop. Artistas como Aphex Twin, LTJ Bukem, Omni Trio, Wagon Christ y Goldie estaban experimentando con toda clase de manipulaciones en el área digital. La dilatación del tiempo en las voces y la reducción de bucles de percusión a ocho bits o menos, fueron unas de las primeras técnicas utilizadas en la creación de artefactos, exponiéndolos como contenidos de áreas tímbricas. El lado más experimental estaba todavía creciendo y lentamente estableciendo un lenguaje. A finales de los '90, el movimiento glitch estaba dando paso a la edición de nuevos lanzamientos en la música por software y el movimiento comenzó a tornarse más primitivo. Un número de artistas se estaba desarrollando. El productor japonés Ryoji Ikeda fue uno de los primeros, además de Mika Vainio en ganar exposición por sus serios pasajes sonoros 7 con “osciladores de bajas frecuencias” [LFO]. En contraste a Vainio, Ikeda trajo una calidad serena de espiritualidad a la música glitch. Su primer CD titulado +/- fue una de las primeras ediciones de glitch que mostraron nuevos territorios en el delicado uso de las altas frecuencias y sonidos breves que se incrustaron en los oídos de los escuchas, frecuentemente dejando a la audiencia con una sensación de zumbidos en el oído interno 8 .
Otro artista que colaboró acortando la distancia entre lo delicado y lo peligroso fue Carsten Nicolai, que graba y se presenta bajo el nombre de Noto. Nicolai es también co-fundador de Noton/Rastermusic, un sello alemán que se especializa en música digital innovadora. De igual manera, Peter Rehberg, Christian Fennesz y el proyecto sonido/red digital, Farmers Manual están fuertemente asociados con el sello Mego, localizado en Viena. Rehberg tiene la distinción de haber recibido uno de los dos únicos premios del festival Ars Electrónica en Música Digital, por su contribución a la música electrónica.
En los últimos años, el movimiento glitch ha crecido abarcando a una docena de artistas que están definiendo nuevos lenguajes en los medios digitales. Músicos tales como inmedia, Taylor Deupree, Nobuzaku Takemura, Neina, Richard Chartier, Pimmon, Autopoieses y T:un[k], por nombrar algunos, constituyen la segunda ola de hackers explorando la estética glitch.
Hay muchos artistas que no han sido mencionados aquí y que han contribuido a empujar las fronteras de este movimiento.

Nueva música de las nuevas herramientas
Las herramientas ahora ayudan a los compositores en la deconstrucción de archivos digitales: explorando las posibilidades sónicas de un archivo Photoshop que muestra una imagen de una flor; recogiendo documentos de procesamiento de datos, en búsqueda de bytes de sonidos coherentes e utilizando software de
reducción de ruido para analizar y procesar audio en las formas en que el diseñador del software nunca pensó. Cualquier selección de algoritmos puede ser intercambiada para pasar los datos de un lado para otro, mapeando sin mayor esfuerzo de una dimensión a otra. De esta manera, todos los datos pueden convertirse en forraje para la experimentación sonora. Los compositores de música glitch han ganado su conocimiento técnico a través de estudiar por sí mismos, descifrando en muchas horas los manuales de software y probando las noticias grupales a través de Internet para buscar la información que necesitan. Ellos han utilizado la Internet como una herramienta para aprender y como un método para distribuir sus trabajos. Los compositores ahora necesitan saber acerca de tipos de archivos, frecuencias de muestreo 9 y una resolución breve para optimizar sus trabajos en Internet. Los artistas se retroalimentan culturalmente en el circuito de la Internet: los músicos bajan herramientas e información, desarrollan ideas basadas en ellas, crean trabajos producto de esa reflexión con las herramientas apropiadas y luego suben sus archivos a la Red Mundial de Redes donde otros artistas pueden explorar las ideas insertas en el trabajo.
Los requerimientos técnicos para un músico en la era de la información pueden ser más rigurosos que nunca antes, pero - comparada con la profundidad de los estudios en la universidad de música computarizada - son todavía bastante fáciles. La mayoría de las herramientas utilizadas hoy en día tienen una capa de conocimientos técnicos. Los programas como el Reaktor, Max/MSP, MetaSynth, Audiomulch, Crusher-X y Soundhack son puestos en funcionamiento, cuidando los detalles de la teoría DSP y más como una estética que vaga por los sonidos que han creado estas modernas herramientas.
El medio no es más el mensaje en la música glitch: la herramienta se ha convertido en el mensaje. La técnica de exponer las minucias de los errores del DSP y los artefactos para su propio valor sónico, ha ayudado a borrar las fronteras de lo que se considera música, pero también nos ha forzado a examinar con mayor cuidado nuestras preconcepciones del error y los desperdicios.

Referencias
Cage, J.1952. 4'33” . Publicado c. 1960. Nueva York: Ediciones Henmar
Idhe, D. 1976. Listening and Voice: A Phenomenology of Sound . Athens, Ohio: Ediciones Universidad de Ohio.
Kahn, D. 1999. Noise, Water, Meat . Cambridge, Massachussets: Ediciones MIT.
Negroponte, N. 1998. Beyond Digital . Wired 6(12).
Ostertag, B. 1998. Why Computer Music Sucks . Disponible en línea en http://www.1- m-c.org.uk/texts/ostertag.html .
Revill, D. 1992. The Roaring Silence . John Cage: A Life . Nueva York: Publicaciones Arcade.
Russolo, L. 1987. The Art Of Noises . Nueva York: Ediciones Pendragon. [Originalmente publicado en 1913].
Whitehead, C. 1999. The Intuitionist . Nueva York: Anchor Books.
Discografía
Christian Fennesz. 1999. +475637- 165108. London: Touch TO:40
Farmers Manual. 1999. No Backup . Viena: Mego MEG008.
Kim Cascone. 1999. cathodeFlower . Frankfurt: Mille Plateaux/Ritornell RIT06.
Mika Vainio. 1997. Onko . Londres: Touch TO:34.
Mouse On Mars. 1995. Vulvaland . Londres: Too Pure 36.
Neine. 1999. Formed Verse . Frankfurt: Mille Plateaux MPCD72
Nosei Sakata y Richard Chartier. 1999. *O/rc . Brooklyn:12K 12K.1006.
Noto. 1998. Kerne . Bad Honnef: Plate Lunch PL04.
Oval. 1994. Systemische . Frankfurt: Mille Plateaux MPCD9.
Pimmon. 1999. Seven Tons for Free . Osaka: Digital Narcis MEGO009.
Ryoji Ikeda. 1996. +/- . Londres: Touch TO:30.
Various Artists. 2000. blueCubism . Osaka:Digital Narcis DNCD007.
Various Artists. 2000. Clicks and Cuts . Frankfurt: Mille Plateaux MPCD079

Atmósfera "Técnica Mixta sobre Sonido y Palabra"

2008-01-29T07:59:00.000-08:00

Atmósfera se emite los domingos de 1 a 2 de la madrugada (los sábados por la noche si vives a la luz de la luna...) en Radio 3.

Atmósfera apuesta por las nuevas expresiones artísticas relacionadas con el arte visual y en este aspecto apoya las propuestas que contribuyen al acercamiento de estas disciplinas artístas al público en general.
Atmósfera inicia un espacio dedicado al mundo Audiovisual de vanguardia a través del cual seguiremos todas aquellas iniciativas que promuevan la videocreación y las tendencias visuales más arriesgadas. Y que mejor manera que inaugurar nuestro espacio con la Convocatoria de VideoArte y Cine Experimental "TRÁNSFERA". Tránsfera es un programa de televisión por cable que se emite semanalmente en Canal Autor.

Tránsfera exhibirá en su espacio las tendencias más actuales del VideoArte y el Cine experimental en un formato a su vez transgresor y divulgativo.
Además, en la página web del programa, en una sección que Atmósfera inaugura este fin de semana, podrás ver un pequeño resúmen de los mejores trabajos que se emitirán en Tránsfera y seguir todas las propuestas visuales que formen parte de “Atmósfera”.

T R A N S F E R A

CONVOCATORIA DE VIDEOARTE Y CINE EXPERIMENTAL

Queda abierta sin restricciones la convocatoria dirigida a seleccionar, mediante unos criterios estéticos en los que se valorará particularmente la calidad, la experimentación, la innovación y el riesgo, las creaciones de todos aquellos artistas audiovisuales que deseen que sus obras sean promocionadas y emitidas a través de un programa de televisión por cable que se emitesemanalmente por Canal Autor. El contenido del programa Tránsfera estará dedicado exclusivamente a potenciar y divulgar el videoarte como alternativa artística emergente en todas sus modalidades (interacción entre imagen y sonido, sin exclusión del cine experimental) con el objetivo de dar a conocer al gran público videoartistas consolidados asi como brindar una plataforma para todos aquellos con proyección de futuro que aporten propuestas renovadoras, alejadas de la narrativa visual convencional, que no encuentran su espacio en otros medios de comunicación.Otra de las novedades es que el artista puede enviar un video promocional (de no más de cuatro 4 minutos de duración), detallando su biografía y su obra el cual se incluirá, a manera de presentación, junto al pase de sus creaciones. Ante el difícil reto que supone levantar un proyecto de esta envergadura, destinado fundamentalmente a contrarrestar un notorio vacío de presencia mediática, en esta primera etapa sin ánimo de lucro y de prueba y consolidación de Transfera, la relación con los artistas se basará en un principio de promoción y visibilidad, pauta encaminada a afianzar la sostenibilidad del programa.No hay límite de edad, ni para la cantidad de material a enviar ni para el plazo de entrega.Los interesados deben enviar sus trabajos en dvd PAL preferrentemente en formatos mpeg (resolución 720x576 16:9 o en su defecto 4:3), con una calidad aceptable para poder ser emitidos, junto a un breve CV con sus datos personales y un permiso de emisión firmado.Transfera no puede hacerse cargo de la devolución del material enviado. No obstante, todo el material recibido entrará a formar parte, a menos que los autores expresen lo contrario, en la selección para la Muestra de Videoarte que Transfera tiene planeado organizar la primavera próxima, mediante la cual se galardonarán a las mejores obras emitidas en el programa.En el caso de que la obra fuese seleccionada, Transfera enviará un formulario de registro con el permiso de emisión/difusión que deberá ser firmado por los interesados, el cual asumirá la total autoría sobre su obra.

La participación en esta convocatoria implica la aceptación de sus reglas.Para recibir más información sobre la convocatoria escribir a: transferae@telefonica.net

Convocatoria muy interesante.

Percepciones Invisibles

2008-01-26T16:07:00.000-08:00

Desde hoy, y hasta el 4 de Mayo, el MUSAC nos acerca la obra del artista galés Cerith Wyn Evans con una exposición en la que se mostrarán algunas de sus obras más importantes, junto a piezas realizadas específicamente para esta ocasión. La muestra lleva por título "Videoinvisible", un nombre que alude a las motivaciones del trabajo del artista, quien tiene por costumbre mostrarnos lo que podría describirse como espacios fuera de lugar. Entre las piezas e instalaciones que la conforman podemos encontrar algunos de sus famosos Chandeliers (2003-2007), instalaciones con lámparas colgantes que nos transmiten en morse textos filosóficos y poéticos. Con este tipo de piezas el creador nos acerca a una realidad que oscila entre lo visible y lo invisible, lo obvio y lo oculto, desafiando nuestra percepción e invitándonos a reflexionar sobre las relaciones entre espacio, la luz, el lenguaje y objetos.

La obra de Wyn Evans ha pasado por exposiciones tan señaladas como "Documenta XI" (2002) y "50th Venice Biennale" (2003), y sus referencias van desde cine a la literatura y la filosofía, creando lo que él llama "catalyst or reservoir of possible meanings that, for the viewer, could unravel many discursive journeys," dejando así al visitante la oportunidad de experimentar e interpretar él mismo la obra.

Además de ésta, el MUSAC también inaugura estos días otras tres exposiciones que se enmarcan dentro de la habitual línea interdisciplinar del museo, abordando otro tipo de creaciones menos tradicionales: la primera de ellas versa sobre el artista californiano Dave Muller, la segunda acerca de la coreógrafa y bailarina Blanca Li y, finalmente, ocho videocreaciones de jóvenes artistas se proyectarán en el espacio H BOX. Todas ellas podrán visitarse durante los mismos días que la muestra dedicada a Cerith Wyn Evans.

Hurta Cordel XII Festival Internacional de Improvisación

2008-01-23T00:01:00.000-08:00

Durante una semana Madrid se convierte en el centro de la música improvisada reuniendo a más de cincuenta músicos de catorce países diferentes. El festival comienza con cinco veteranos que desde hace décadas exploran las sonoridades musicales y desarrollan lenguajes experimentales: el español Llorenç Barber, el legendario guitarrista inglés John Russell junto con el bajista Jean Demey en el cuarteto Garden Gift y la extraordinaria saxofonista Lotte Anker acompañada por el contrabajo virtuoso del holandés Wilbert de Joode.

Representando a los nuevos creadores, destacan el proyecto Reconnaissance con un sofisticado vídeo y música en directo, la acróbata de la voz Manuela Barile y la australiana Merran Laginestra que estará en dúo con la bailarina Camille Hanson.
Además tendremos: combinación de instrumentos como la zanfona medieval con batería y electrónica en el proyecto Marisco Fresco, el encuentro de dos destacados músicos de la escena de Beirut con dos austriacos, y el trío z1c0 que parte del punk. Una de las presentaciones más esperadas será la de la bailarina Fine Kwiatkowski de Berlín junto al ensemble de Michel Doneda, Lê Quan Ninh y Willehadt Grafenhorst.
La orquesta F.O.C.O este año ha invitado para la dirección de la orquesta al austriaco Michael Fischer que lleva más de diez años trabajando en dirección con diferentes agrupaciones como la Viena Improvisers Orchestra o el Vienna Improvisers String Ensemble.
Durante el fin de semana presentamos Música Cruda o Cocida, un espectáculo poético de improvisación musical para todos los públicos.

> Programación completa del festival (formato pdf).

MADRID ABIERTO 2008

2008-01-22T15:31:00.000-08:00

Intervenciones artísticas del 7 de febrero al 2 de marzoMesas de debate. 7 y 8 de febrero. De 17.00 a 21.00 h. La Casa EncendidaAudiovisual. Del 7de febrero al 2 de marzo. La Casa EncendidaArte Sonoro. Programa La Ciudad Invisible, Radio 3-RNE (93.2/95.8 FM)

http://www.madridabierto.com/

MADRID ABIERTO 2008 produce 13 intervenciones artísticas (Andreas Templin, Guillaume Ségur, LaHostiaFineArts, Alicia Framis/Michael Lin, Anno Dijkstra, Fernando Llanos, Todo por la Praxis –Diego Peris/Rafa Turnes-, Annamarie Ho/Immi Lee, Fernando Prats, Jota Castro, Santiago Cirugeda, Dier/Noaz y Santiago Sierra) durante el mes de febrero en el eje Prado-Recoletos-Castellana, que se unen a los 42 realizados en las cuatro ediciones anteriores, seleccionadas a través de las sucesivas convocatorias públicas entre más de 1.500 propuestas de artistas de todo el mundo. Una aproximación a la lectura y comprensión de cómo se construye el espacio público desde la práctica artística contemporánea, comisariado por el colectivo Democracia, que se complementa con las mesas de debate en La Casa Encendida el 7 y 8 de febrero y con los programas de audiovisual y arte sonoro.

land art??

2008-01-15T10:25:00.000-08:00

Existen obras humanas que nos hacen reflexionar y asombrar acerca del pensamiento del hombre y de la admirable forma de plasmarlo en una obra de arte, lo cual prueba que no hay un límite para la capacidad, creatividad y reflexión de las grandes construcciones que nos inspiran y asombran. Una de ellas es el impresionante proyecto de las islas artificiales de Dubai en Emiratos Árabes Unidos.

En el 2001 comenzó la construcción de dos enormes islas artificiales en esta zona del mundo, una de ellas llamada The Palm, Jumeirah y la otra The Palm , Jebal Ali. Sus materiales base son 100 millones de metros cúbicos de arena y roca, y tuvieron un costo de 1.200 millones de euros.

Una de las islas -The Palm, Jebal Ali- tiene la forma de una palmera, o de un abanico de 17 brazos y la parte posterior y de alrededor le sirve de rompe olas. La corona está conectada a tierra firme por un puente de 300 metros.

Ahora surge la pregunta ¿será que estas asombrosas islas artificiales que forman hermosas figuras pueden catalogarse como art land? Por un lado, los creadores de estas obras las estan construyendo con materiales de la naturaleza (arena, roca..); sin embargo hay una regla primordial de la corriente artística del art land: las obras maestras no deben perjudicar el medio ambiente. ¿Será que estos proyectos turísticos están perjudicando el medio ambiente?. La respuesta es si: éstas deslumbrantes obras destruyen la vida marina, las corrientes se han alterado, las playas están erosionadas y el fondo del mar de alrededor se ha transformado en un desierto sin vida cubierto con una capa gruesa de lodo.

David Claerbout

2008-01-13T12:34:00.000-08:00

En el Centro Pompidou de París se muestra estos días una exposición dedicada al artista belga David Claerbout, uno de los grandes representantes del videoarte en la actualidad.

De David Claerbout ya pudimos ver en el CGAC una interesante exposición en otoño de 2003 y más recientemente ha sido incluido en la colectiva Intocable que montó el Patio Herreriano de Valladolid hace tan solo unos meses. Su trabajo es una investigación sobre la imagen en ese lugar incierto que media entre la fotografía (imagen fija) y el vídeo y el cine (imagen en movimiento). Formado originalmente como pintor, realiza videoinstalaciones en las que vierte, y funde, diapositivas estáticas con imágenes en movimiento e incluso otras videoproyecciones que, mediante un conjunto de sensores, se activan a partir de la interacción de los visitantes.
Esta exposición parisina está compuesta por cinco videoinstalaciones, realizadas desde 2002, que incluyen dos de sus últimos trabajos, Sections of a Happy Moment y Long Goodbye, ambas realizadas este año.

David Claerbout es autor de trabajos de enorme relevancia dentro del campo del videoarte. Muchos recordarán Rocking Chair en la que el espectador podía ver una imagen frontal de una mujer balanceándose lentamente en una mecedora en la terraza de su casa. En el reverso de la pantalla, se podía ver a la misma mujer desde detrás, como si el espectador se encontrara en el interior. Se desdoblaba el espacio en dos experiencias unidas por un tiempo único.

LA ROBÓTICA QUE VIENE

2008-01-12T08:13:00.000-08:00

CosmoCaixa, el Museo de la ciencia de la Obra Social "la Caixa" y RoboticSpot organizan la exposición de robótica "La robótica que viene" aqui oedremos ver diversos dispositivos robotizados que están introduciéndose en nuestras vidas.

Desde el Wiimote, pasando por el robot Robonova, o la CMUcam, podremos observar como ciertos elementos originalmente solo presentes en la industria están tomando cada vez más presencia en la sociedad de consumo, en nuestros hogares, coches e incluso en nuestros quirófanos y carteles publicitarios.

esta exposición lo que quiere es reflejar con ejemplos reales la importancia que ocupan los robots en la actualidad en distintos ámbitos de la vida. Con el paso del tiempo los robots han evolucionado y van a poder llevar a cabo tareas que hasta el momento solo podrían realizar seres humanos.

podremos ver esta exposición los dias: Diciembre 1,2,6,7,8,9,22,23,24,26,27,28,29,30 y 31; y en Enero 2,3,4 y 5.

Látex, circuitos y carne humana para protestar contra el marketing

2007-12-11T12:55:00.000-08:00

El arte contemporáneo sufre como los cerebros de las manos que lo engendran. Evoca pesadillas dignas de la ficción más orwelliana. Lejos quedan los tiempos de simple estímulo estético de los sentidos. Se ha instalado en las galerías de todo el mundo la reflexión crítica a través de la revisión de todas las estructuras que sustentan la ética. Adam Brandejs encarna el nuevo arte de la transmutación empleando para su fin el mismo lenguaje del marketing con el que se educa al consumidor postmoderno.

"... La ética no rige el mundo. Lo demuestran, por ejemplo, las cadenas de televisión infantiles que atiborran a una audiencia indefensa con impactos constantes en clave de consumo. Es era del marketing, de la apariencia, no de la realidad.

La ficción adquiere una credibilidad mayor que cualquier certeza. Es un juego peligroso, insano. Todo vale para alimentar los bolsillos insaciables de la clase directiva, empeñada en seguir con su particular arte, el del engaño al consumidor. "

Comienza en Japón la Feria Internacional del Robot 2007.

2007-12-02T11:37:00.000-08:00

Mayor evento del mundo, contará con la presencia de 199 empresas y 66 organizaciones del mundo que presentarán tanto robots con fines industriales como domésticos.

Hasta el próximo sábado 1 de Diciembre, Tokio acogerá la Feria Internacional del Robot (iREX, en inglés) bajo el lema “la tecnología robótica pionera del futuro, desde la industria a la vida diaria”.

En ella se presentarán robots androides como el prototipo “Simroid”. Con aspecto de mujer, imita el comportamiento de un paciente en la camilla del dentista y está destinado a las prácticas de doctores y estudiantes de odontología.

PAISAJES NEURONALES

2007-12-02T06:07:00.000-08:00

Una experiencia entre la ciencia y el arte

Del 7 de septiembre al 16 de diciembre de 2007

Museo de la Ciencia de Castilla - La Mancha. Plaza de la Merced,1 (Cuenca)

La muestra se estructura en tres aparatos: mirar y dibujar, mirar y fotografíar, mirar e interpretar.Las dos secciones que mas me interesan y se aproximan a mi proyecto son: mirar y fotografía, mirar e interpretar.Se proponen muchas de las ideas relacionadas con el arte digital.La sección "mirar e interpretar", muestra imágenes modificadas por los científicos para expresar una idea o concepto. Estas imágenes representan una interpretación de los datos obtenidos en el laboratorio y reflejan las capacidades artísticas de los científicos."Mirar y fotografiar", estas sorprendentes imágenes recuerdan en ocasiones obras de artistas como Rendir, Miró o Picasso. Las obras que se exponen fueron seleccionadas entre 433 imágenes enviadas por 62 laboratorios de neurociencias de todo el mundo. "Mirar y dibujar", contiene dibujos de algunos de los más importantes pioneros en neurociencias, como Cajal, Golgi, Kölliker, Retzius, Nissl y Alzheimer.

MINERVA CUEVAS.MEJOR VIDA CORPORATION

2007-12-02T04:54:00.000-08:00

Si alguien está interesado como yo en el tema de Arte y nuevas tecnologías en relación a la publicidad y el consumismo, quizá le interese esta página.

La autora es la artista Minerva Cuevas. Minerva Cuevas nos recibe en su página con un eslogan que desafía el sistema económico de las corporaciones a la vez que subvierte la concepción mercantilista del arte. Ella misma define su web como: “el resultado de la desconfianza en las utopías capitalistas, siendo la subversión una constante dentro de sus procedimientos”. Desde aquí distribuye gratuitamente una serie de productos -billetes del metro de la Ciudad de Méjico, tarjetas de lotería, credenciales de estudiante, etiquetas de código de barras...- y oferta servicios –encuestas, cartas de recomendación, servicios de limpieza, donaciones públicas...-; su objetivo: parodiar las estrategias de difusión y consumo a través, precisamente, de una corporación.

Si alguien está interesado en ver el resto de sus trabajos puede hacerlo pinchando aquí

¡Vigilad los cielos! o Ciencia ficción: Nuestro futuro

2007-11-25T07:43:00.000-08:00

Son los dos títulos que tiene este documental. En él varios directores imprescindibles en la historia de la ciencia ficción, como Steven Spielberg y George Lucas hacen un recorrido por este fantástico género repasando las películas más taquilleras.

La robótica se convierte en la última frontera creativa

2007-11-24T07:40:00.000-08:00

http://www.elmundo.es/2002/08/03/uve/1197060.html

La Fundación Botín acoge la muestra 'Cyberia 02', dedicada a una generación de artistas fascinados por lo cibernético.

Se convoca en la Fundación Marcelino Botín de Santander la última utopía de la modernidad: la robótica. Los temas son las nuevas tecnologías y los impactos que provocan en nuestra sociedad, pero las interpretaciones de los artistas son libres.

las posibilidades son multiples: podemos ver un robot que responde con las posiciones de los espectadores hasta la Maquina Artis 3.0 de Carlos Corpa, una escultura mecánica que pinta y produce música, pasando por los argonautas de Ricardo Iglesias y Gerald Kogler, robots con una cámara de vídeo que registra en directo todo el espacio de la instalación acoplada.

La nueva tecnología altera la percepción de los objetos, del espacio y del tiempo. Ya ni siquiera el espectador es un ser pasivo, sino que participa en este mundo de performances y mecánica.

VIDA 10.0

2007-11-22T08:13:00.000-08:00

VIDA 10.0 premia obras artísticas desarrolladas con tecnologías de Vida Artificial y sus disciplinas asociadas, la robótica, la inteligencia artificial, etc. Se buscan proyectos artísticos que hagan una reflexión sobre la relación entre lo “sintético” y lo “orgánico”.

En años anteriores se han premiado proyectos artísticos realizados con robots, avatares electrónicos, algoritmos caóticos, knowbots, autómatas celulares, virus informáticos, ecologías virtuales que evolucionan con la interacción del participante, y trabajos que profundizan en aspectos sociales de la Vida Artificial. Los solicitantes pueden consultar los proyectos galardonados en años anteriores en la página web de VIDA, http://www.telefonica.es/vida para determinar si su proyecto se ajusta a la filosofía del premio.

Global Cities

2007-11-21T08:07:00.000-08:00

“Más del 50 % de nosotros ahora vive en ciudades y, según las Naciones Unidas, este número se elevará al 75 % hacia 2050. Hace un siglo sólo el 10 % de la población del planeta vivía en ciudades.”

A través de videos, fotografías, gráficos y cartografías se nos presentan estos datos en la exposición "Global Cities" de la Tate modern de Londres. Artistas y arquitectos reconocidos como Nigel Coates, Zaha Hadid, Patrick Schumacher, Fritz Haeg, Nils Norman o Richard Wentworth; entre otros exploran temas como el espacio publico, la sostenibilidad, la contaminación, o la inclusión social.

En la muestra ofrece al espectador escalofriantes cifras de algunas de las ciudades mas grandes del mundo como Estambul, Sao Paulo, Tokio o la propia ciudad de Londres. Nos animan a tener en cuenta el cambio y considerar sus consecuencias sobre las nuevas formas de vida, de la sociedad contemporánea.

OLIMPIADA: ROBOLIGA. REPRESENTACIONES DE LA ROBOCUP EN ARGENTINA

2007-11-20T03:21:00.000-08:00

http://www.roboliga.edu.ar/objetivos.htm

Olimpíadas de Robótica para la construcción y programación de los robots. Lo que se pretende es:

a)se intenta construir un grupo humano para la resolución de un problema, con funciones específicas para cada integrante, y con el problema agregado de que hay infinitas formas de llegar a la solución.

b) La construcción de un aparato que, desde un punto de vista físico, esté capacitado para resolver el problema, sin deterioro de sus partes. Es decir, encarar desde el lado de la ingeniería el diseño del robot.

c) La programación de instrucciones para que, dada la arquitectura del robot, logre desarrollar independientemente los pasos para la resolución del problema.

art futura

2007-11-14T13:58:00.000-08:00

Barcelona / Alicante / Cádiz / Granada / Madrid / Murcia / Palma de Mallorca
Donostia-San Sebastián / Valladolid / Vigo / Vitoria

La decimoctava edición de ArtFutura en once ciudades:
Barcelona, Alicante, Cádiz , Granada, Madrid, Murcia, Palma de Mallorca, Donostia-San Sebastián, Valladolid, Vigo, Vitoria entre el 25 y el 28 de Octubre, con un extenso programa ( desde octubre hasta diciembre, dependiendo de la ciudad) que explora los proyectos más importantes surgidos en el último año en el panorama internacional del new media, el diseño de interacción, los videojuegos y la animación digital.

info: art futura

BIT FALLS, DE JULIUS POPP

2007-11-13T23:35:00.000-08:00

Una cascada de palabras que se forman con gotas de agua, una pieza que visualiza los ciclos del agua y de la información, combinando una tecnología sofisticada con un interesante planteamiento formal y un concepto sólido.
Sorprendente.

“UN CUERPO SIN ALMA”, REALIDADES OBJETIVAS Y SUBJETIVAS

2007-11-05T09:16:00.000-08:00

Exposición en la fundación Joan Miro de Barcelona patrocinada por el BBVA, y comisariaza por Jean-Louis Pratse. Permanecerá abierta de 26 de Octubre del 2007 al 27 de Enero de 2008.

Habrá una participación de artistas como: Matisse, Picasso, André Derain, Henry Moor, Miró Chagall, Léger, Rene Magritte, Egon Schille, Otto Dix, Dubuffet, Giacometti, Saura, Wifredo Lam, Basquiat y Tàpies.

El cuerpo desde siempre se ha utilizado para mostrar imágenes bellas y formales, pero con la invención de la fotografía esta sustituye a la pintura para mostrar la realidad. Esta exposición lo que nos va a mostrar es “un cuerpo sin limite”, donde nos van a mostrar todos los cambios que el cuerpo ha experimentado desde el siglo XX. Ahora el cuerpo se puede exhibir sin complejos.

En 1863 Manet realiza el cuadro de “Olimpia” con el cual abre un nuevo camino de la representación de la figura humana en el arte, ya no hablamos de un desnudo académico sino de un desnudo real, es esta la expresión de la modernidad. Se produce en estos momentos una liberación del cuerpo y su puesta en escena.

Noticia extraída de: periódico El Punto de las artes. www.el-punto.com

Pippo Delbono trae a Madrid dos propuestas en clave poética sobre el silencio y la guerra

2007-10-31T12:05:00.000-07:00

La compañía italiana de Pippo Delbono ofrecerá mañana y hasta el 4 de noviembre dos propuestas escénicas en clave poética sobre el silencio y la guerra que se representarán en el Centro Cultural de la Villa, en el marco del Festival de Otoño.

'Il silenzio' y 'Guerra' son los títulos de estos espectáculos elegidos por el actor, autor y director de la compañía entre un total de 11 que guardan en su repertorio. Delbono señaló hoy que se trata de dos montajes muy diferentes pero que tienen en común una gran simplicidad escénica producto de sus largos años haciendo "teatro sin apenas recursos".

'Il silenzio' surgió a raíz de un viaje del director a la ciudad italiana de Gibellina en 1999. Allí le sorprendió la presencia que el terremoto que asoló esta ciudad en 1968. El impacto de esa tristeza serena, de esa quietud que sigue al estruendo de la rotura de la tierra es lo que inspiró este espectáculo.

"Todo lo he construido de una manera cercana a la narración poética, a la danza. Intento explicar lo que supone por un lado morir y, por otro, la pasión y el amor, dos cuestiones que siempre van juntas en el silencio"

LA MONSTRUOSIDAD DEL SER HUMANO

Respecto a 'Guerra', Delbono explicó que se trata de un espectáculo diferente que aborda el tema de la guerra "como la monstruosidad que existe dentro de nosotros mismos, y también de la diferencia, de la gente que no entra en nuestra categoría".

Otro viaje, esta vez a Sarajevo, inspiró a Delbono para poner en pie este montaje. En él se cuentan distintas historias y se narra, a través de las acciones físicas de los actores, las palabras y la música, el deambular de personas que provienen del mundo de la anormalidad, la locura y la discapacidad para encontrarse, finalmente, en el espacio mágico del teatro.

"Hoy los políticos, la Iglesia se ponen máscaras. Esas son nuestras guerras en las que lo importante no es lo que son las cosas sino lo que parecen"

El elenco de estas obras cuenta no sólo con la interpretación del propio Pippo Delbono sino además con una serie de artistas que poseen, en algunos casos, cierta discapacidad (sordera, síndrome de Down...). "No he tenido jamás ningún problema con ellos para entenderme, es más la mayoría me hace numerosas propuestas que yo luego me encargo de fijar en cada espectáculo. Tengo muy claro que, sobre el escenario ninguno de ellos es minusválido. Todos están en mi onda", afirmó.

Delbono aclaró que, en cualquier caso, lo que le interesa es "hablar de humanidad" en sus espectáculos, es decir, de un "teatro más sagrado" que aborda un lenguaje concreto a través del cual exponer "el juego de la vida y construir cosas".

LOS COLORES DE LA CARNE

2007-10-30T04:19:00.000-07:00

Centro José Guerrero, Granada
4 de octubre de 2007 a 6 de enero de 2008
Organiza: Centro José Guerrero-Diputación de Granada

Fotografías de Merry Alpern, Jane Evelyn Atwood, Elisabeth B, Paz Errázuriz, Maya Goded, Alicia Lamarca, Erika Langley y Susan Meiselas. / Las políticas de representación del cuerpo han merecido durante las últimas décadas una atención recurrente tanto en el mundo académico como en el del arte. Dentro de ese contexto, el tema de la prostitución y del comercio sexual ha sido reflejado por la cámara, a veces incurriendo en un burdo voyeurismo pero otras con un plausible esfuerzo de interpretación crítica. Para este cometido, la fotografía, en su formato documental, se ha situado en un doble plano: primero, como información visual aportando datos de estudio que escapan a una descripción verbal; y segundo, como vía en la que basar un proyecto de expresión personal, es decir, un proyecto “artístico”.

Mediterráneo(s)

2007-10-30T03:59:00.000-07:00

Exposición en las plantas de La Panera donde encontraremos reflexiones críticas sobre las culturas del Mediterráneo, contempladas a partir de diferentes ámbitos creativos como las artes visuales, el vídeo, el net-art, el arte sonoro y el cine. La dimensión geográfica del proyecto abarcará las dos riberas de la cuenca mediterránea y reunirá una selección de trabajos artísticos que desde ópticas muy diferentes, han adoptado una posición socio-política crítica sobre el desarrollo de esta área geográfica.
Los artistas que van a intervenir son: Gabriele Basilico, Consuelo Bautista, Mohamed Ben Soltane, Susana Casares, Marine Hugonnier, Sejla Kameric, Bouchra Khalili, Rogelio López Cuenca, Anna Malagrida, Rosell Meseguer, Pedro Ortuño, Joan Rabascall y Txema Salvans.
Arte Sonoro: Electra. Selección a cargo de José Manuel Berenguer. Françoise Barrière, José Manuel Berenguer, Werner Cee, Ferran Cuadras, Francis Dhomont, Ellio Martusciello, Eduardo Polonio, Luz María Sánchez, Barry Schrader, Jovana Stefanovic y Riccardo Vaglini.
Programación de video: Ágoras y Fronteras. Video en el Mediterráneo. Selección a cargo de Toni Serra. Ammar Albeik, Dalia Al Kury, Christian Barani, Fluid Video Crew, David Massey (It’s all lies), Ethem Ozguven, Jackie Saloum, Toni Serra y Akram Zaatari.
Arte Digital: Asesoriamiento de Laura Baigorri. The Olive Project, Fadaiat y Serious Games Interactive.
Espacio Documentación: Selección de material de documentación sobre la exposición, asesorado por Rosa Pera.

LAS IMÁGENES HERIDAS DE GERDA TARO

2007-10-29T02:55:00.000-07:00

Era hermosa y osada. Murió a los 27 años haciendo fotos en el frente de Brunete durante la Guerra Civil. Compartió autoría con su compañero, Robert Capa, luego firmó sola y después cayó en el olvido. Una muestra en Nueva York rescata sus imágenes.

Hace ahora setenta años que Gerda Taro encontró la muerte en el frente de Brunete mientras cubría como reportera gráfica la Guerra Civil. Mientras huía del avance de las tropas franquistas montada sobre el estribo de un coche que transportaba algunos soldados heridos, un ataque de la aviación hizo que un tanque republicano golpeara el automóvil haciéndola caer al suelo. Las cadenas del carro de combate pasaron sobre la parte inferior de su cuerpo. Aún con vida, fue trasladada a un hospital en El Escorial donde falleció en la madrugada del 26 de julio. Pocos días después, el 1 de agosto habría cumplido 27 años. Su cadáver fue trasladado a París, donde el Partido Comunista Francés organizó un entierro multitudinario que la transformó inmediatamente en heroína y mártir. Que no fuera miembro del partido no impidió que fuera presentada como una camarada caída en combate por la revolución. Su trabajo para la prensa ilustrada de izquierdas, en revistas como Regards o Ce Soir, y su simpatía y proximidad hacia el Frente Popular en Francia así como su posicionamiento militante en la guerra a través de sus imágenes fueron el vehículo para tal transformación.
La exposición de Gerda Taro tiene lugar en el Internacional Center of Photography de Nueva York hasta el 6 de enero de 2008. http://www.icp.org/

PLANO ÍNTIMO – CICLO DE VIDEOARTE

2007-10-17T05:02:00.000-07:00

http://www.salaparpallo.es/

El ciclo Plano Íntimo reúne vídeos desde los inicios del videoarte hasta nuestros días. Además de dar una relativa prioridad al aspecto formal, los trabajos presentados tienen en común que constituyen respuestas críticas a los procesos de socialización del individuo. Respuestas que son enunciadas en primera persona y llevadas a cabo en la esfera íntima. En la conferencia se hará un recorrido por la historia del videoarte, analizando la aplicación de lo performativo en las últimas tres décadas y contextualizando los trabajos mostrados en el ciclo “Plano Íntimo” En los dos últimos programas se reflexiona sobre la historia afectiva personal y las relaciones de poder en la intimidad. Comisariado por Mar Caldas y Silvia Martí.

BIENVENIDOS AL CURSO 2007-2008

2007-10-17T04:51:00.000-07:00

BIENVENIDOS AL CURSO 2007-2008

SENESCENCIA Ignacio Prado

2007-05-14T06:11:00.000-07:00

Ignacio Pardo (Lugo, 1947) presenta en el Centro Galego de Arte Contemporánea. CGAC de Santiago de Compostela la exposición "Senescencia", un conjunto de vídeos e instalaciones que tienen en común el tema de lo efímero como argumento de fondo. La muestra cuenta principalmente con piezas realizadas por el creador durante los últimos años, junto con algunas anteriores, sobre todo de los años ochenta como: Clavos (1986), Triángulo (1988) o Tránsito (1988).
La exposición, que permanecerá abierta hasta el 1 de julio de 2007 y ha sido comisariada por Cristina Prego, resume las preocupaciones de este artista, quien a través de la práctica del videoarte y siempre haciendo uso de medios precarios o domésticos, se acerca estrechamente a aquellos temas que los mass media omiten a menudo de forma deliberada. De este modo, la muestra nos enfrenta cara a cara con cuestiones como la muerte, la rutina, la vejez, el deseo o el fracaso, mediante las imágenes desgarradoras y simbólicas que son propias del lenguaje plástico y visual de Pardo.

Technarte calienta motores

2007-05-09T03:30:00.000-07:00

Arrancan los preparativos para la Conferencia Internacional sobre Arte y Tecnología

Bilbao, 08/05/07Comienza la cuenta atrás para el inicio de Technarte 2007, la Conferencia Internacional sobre Arte y Tecnología organizada por la Asociación Innovalia, que tendrá lugar en el Palacio de Congresos y de la Música Euskalduna Jauregia de Bilbao, durante los días 24 y 25 de mayo. En esta edición, Technarte contará con la presencia de importantes ponentes de gran prestigio internacional, como: Alfred Chen, Aurkene Alzua, Isaac Rudomin, Kristine Guzmán, Rosina Gómez-Baeza o Marta de Meneses, entre otros.
Por segundo año consecutivo se presentarán las últimas novedades tecnológicas aplicadas al mundo del arte, mientras se podrá disfrutar de un debate abierto en torno a estas cuestiones. La interacción entre ciencia y creatividad es un tema de plena actualidad, ya que ambas disciplinas han avanzado confluyendo de manera muy significativa durante las últimas décadas. Se trata, por tanto, de una oportunidad única para reflexionar y profundizar en torno a la estrecha relación que existe entre arte y ciencia, de la mano de importantes especialistas en la materia.
Si estás interesado en el evento, puedes consultar más datos sobre el programa o la inscripción, en nuestra sección convocatorias.

Mateo Maté. Paisajes uniformados

2007-05-02T01:51:00.000-07:00

Hasta el 20 de mayo

Las obras de Mateo Maté que presenta ahora en el CAB, están dotadas de un aspecto formal, en bastantes casos ciertamente lúdico, y de una sorprendente presencia física. Lo que el artista ha hecho es construir a través de la invención del camuflaje los paisajes idílicos de obras de pintores como Corot o de Haes. En este proceso, Maté pone el mordiente en la idea de que el propio arte haya sido “utilizado” históricamente para diseñar los uniformes de los diferentes ejércitos del mundo. Ahora se trata, en palabras textuales del artista, "de devolver al arte, lo que la guerra le ha robado".
Muchas de ellas, nos hacen reflexionar sobre nuestra sumisión, consciente o inconsciente, a las reglas de vida cotidiana impuestas por la creciente neurosis hacia la superprotección de nuestras fronteras y de lo que nos rodea.

El artista no utiliza un lenguaje claro y meridiano; por el contrario, recurre a propuestas cargadas de ironía o sátira, con un código semántico muy sencillo, y con bastante sentido del humor, para hacernos llegar su mensaje de crítica al sistema y, para asimismo, servir de acicate para que reflexionemos sobre su teoría.

Mateo Maté pone de relieve esa especie de militarización de lo doméstico y de la realidad cotidiana que soportamos, no solamente en el hogar, sino en otros ámbitos fuera de éste, como el propio Museo o Centro de Arte Contemporáneo. Otra vez jugaremos a guerra en la selva…

Switch on the Power!

2007-04-24T12:50:00.000-07:00

El próximo 4 de mayo, el centro cultural Montehermoso dará por finalizada su primera exposición del año, un amplio trabajo que ha llenado casi todos sus rincones desde el 1 de febrero bajo el título Switch on the power! Ruido y políticas musicales y que, por el momento, atesora más de 20.000 visitas en el tiempo que lleva abierto al público.

La exposición reúne a una serie de artistas procedentes del mundo del arte y de la música que comparten estrategias performativas y estéticas. A través de piezas y/o documentos videográficos, esta exposición pone de relieve y a la vez profundiza en las interacciones que surgen entre estas disciplinas artísticas.

Renunciando a la tentación de mostrar la música de nuestros días como un tema más en el arte, en este proyecto nos hemos centrado en la singularidad de unas prácticas discursivas que entendemos son comunes tanto a artistas del pop, del rock y de otros estilos musicales, como a artistas visuales. Artistas que, en algunos casos, formaron parte de corrientes como el happening, Fluxus, Body-Art, las distintas vertientes de la performance, etc., o que en otros han seguido los planteamientos de esascorrientes artísticas desarrolladas a lo largo del siglo XX para reinventarlas con aportaciones propias, construyendo discursos que, a menudo, transmiten valores alternativos o contenidos políticos críticos.

El título de la muestra —Switch on the Power!— juega con la polisemia de la frase en inglés (conecta la corriente/activa el poder), y alude al espíritu de inmediatez y autonomía que con frecuencia ha caracterizado estos movimientos musicales y artísticos. El subtítulo —Ruido y Políticas Musicales— incide en el carácter subversivo de estas prácticas, en el ruido entendido como elemento perturbador que se introduce en un sistema con la pretensión de modificarlo, y en la necesidad de contemplar esas prácticas como políticas que presentan estructuras y lenguajes propios.

Para la clausura el Centro Cultural Montehermoso presenta a la artista Diamanda Galás en concierto en el Teatro Principal de Vitoria-Gasteiz.

Guilty, Guilty, Guilty
Concierto de clausura SWITCH ON THE POWER! Ruido y políticas musicales
4 de mayo, 22:30 horas
Teatro Principal Antzokian
Venta de entradas Teatro Principal 945 161 045 (a partir del 29 de marzo)
6 euros

DIÁLOGO CON LA JUVENTUD

2007-04-19T16:30:00.000-07:00

En "Dialog mit der jugent" de 1981, el artista Martin Kippenberg, se autoretrata tras haberse metido en una pelea. Esto, supone el nacimiento de un nuevo ser: el monstruo.

El artista juega con imagenes falsas ligadas a los papeles que adopta, buscando quitar la falsa apariencia que envuelve la existencia humana.

Es un artista que se enfrenta a la realidad, al mundo; sirviendose para ello de sus instrumentos estéticos.

Esta obra no es otra cosa que un autoretrato montruoso.

galerie-herrmann.com/.../401AA.Stuttgart.htm

Publicado por Ana Ecribano.

Electrónica en abril

2007-04-19T11:17:00.000-07:00

La Casa Encendida presenta la quinta edición del festival Electrónica en abril los días 20, 21 y 22 de abril, en dos de sus espacios, Auditorio y Patio. Una nueva oportunidad para disfrutar con las vanguardias asociadas a la música electrónica.

Programa>>>>>>>>>

20.04.2007 Bola 20.00 - 21.00
20.04.2007 Kode9 + The Spaceape 21.00 - 22.00
20.04.2007 EL-P 22.00 - 23.00
21.04.2007 Mika Vainio 20.00 - 21.00
21.04.2007 Post Industrial Boys 21.00 - 22.00
21.04.2007 Spektrum 22.00 - 23.00
22.04.2007 Ekkehard Ehiers 20.00 - 21.00
22.04.2007 EDAN with guest Dagha 21.00 - 22.00
22.04.2007 Matmos 22.00 - 23.00

Venta de entradas desde tres días antes en cajeros de la red Caja Madrid, www.entradas.com, en el teléfono 902 488 488 y en La Casa Encendida, de 10.00 a 21.45 h

La Casa Encendida
Precio: 3 euros (Auditorio) y 6 euros (Patio)
Ronda Valencia, 2.
Madrid

Volta, nuevo álbum de Björk.

2007-04-18T10:33:00.000-07:00

Volta es el sexto álbum de Björk y saldrá a la venta el próximo 7 de Mayo, el single de presentación del álbum Earth Intruders ya esta a la venta a través de la pagina de iTunes.

En su rol de productora, Bjork ha invitado a otros músicos a trabajar en sus canciones y Volta trae consigo algunas de sus mas interesantes colaboraciones, por ejemplo, con Antony Hegarty de Antony And The Johnsons cantando en dos tracks y Timbaland que se ha encargado de muchos de los beats con los que cuenta el disco. Otros artistas que participan en Volta son el ya habitual Mark Bell de LFO y los baterías Chris Corsano y Brian Chippendale, este ultimo del grupo Lightning Bolt. Bjork también trabajo con algunos músicos Africanos muy aclamados como Toumani Diabate quien toca el kora y Konono No.1.

A continuación una entrevista con Bjork en la que desvela el proceso de trabajo que ha dado forma a Volta.

The Buddha Machine

2007-04-17T09:30:00.000-07:00

El Buddha Machine es el gadget de moda entre muchos de los artistas de electrónica experimental más relevantes. Este aparato que recuerda a un antiguo transistor guarda un contenido envenenado. En su interior, detrás de ese altavoz, esa salida de auriculares y un par de interruptores, hay escondidos nueve loops crepitantes y tenebrosos.

Sus creadores son Christiaan Virant y Zhang Jian, o lo que es lo mismo, FM3, grupo pionero de la música electrónica en China. Los sonidos de esta singular caja de música guardan cierta relación con la cultura de aquel país. Todos están construidos a partir de instrumentos tradicionales chinos, aunque manipulados hasta ser casi irreconocibles.

Dicen que Brian Eno tiene ocho, uno en cada color, y Monolake, Blixa Bargeld o Sunn0))) ya han hecho música con él. De objeto de culto para músicos el Buddha Machine promete acabar como fetiche para todo aficionado a la electrónica. FM3 actuaran en el próximo Sónar.

En nuestro país podéis adquirir el Buddha Machine a cambio de 26€ aquí.

TALLER DE ARTISTA “VIDA” DE FUNDACIÓN TELEFÓNICA

2007-04-15T05:57:00.000-07:00

· Los talleres “VIDA”, dirigidos por artistas premiados en el Certamen Internacional sobre Arte y Vida Artificial, quieren estimular la producción de obras de arte que exploren el concepto de “vida artificial”

· El primer taller será dirigido por la ganadora del Primer Premio de VIDA 6.0, la artista francesa y profesora de robótica en la Escuela de Bellas Artes de Aix-en-Provence, France Cadet, y coordinado por Mónica Bello, miembro del jurado del Certamen VIDA

· Los participantes podrán familiarizarse con la “vida artificial” a través de debates, usar herramientas tecnológicas y realizar su propia creación a partir de la modificación del exterior y el interior de un perro robótico

· La inscripción, de carácter gratuito, está abierta hasta el 9 de abril: las personas interesadas deberán enviar sus datos personales y una breve descripción de su vinculación profesional con el tema al correo angeles.perezmuela@telefonica.es

Recomiendo asistencia a las personas interesadas en la robótica

-----------------moda/videojuegos--------------

2007-04-14T16:53:00.000-07:00

Los artistas austríacos Max Moswitzer y Magarete Jharman han creado el ¨"vestido pong"¨con el fin de disolver las fronteras entre el cuerpo y la pantalla.
Estos miembros de la ¨Sociedad Lúdica¨han combinado un corto vestido negro, ajustado y sin mangas, con una pantalla LED de 5 x 7 pulgadas; en la que dos jugadores pueden retarse en un duelo de Mini-Pong.
Este vestido se presentó en la exhibición Pong Mythos de la Convención de Juegos en Leipzig, Alemania; entre los días 23 y 27 de Agosto en el año 2006.

"http://www.pong-mythos.net"

----------------------------------------------------------moda y nuevas tecnologias

2007-04-14T14:07:00.000-07:00

"luminex"es un nuevo tejido que emite luz en diferentes colores y sus componentes son fibras especiales que se usan como detectores de partículas en la física nuclear.Un tejido basado en fibra óptica e iluminado por una pequeña bombilla que se alimenta de una bateria de tres voltios y emite luz aunque la tela sea cortada.

ARTE, TECNOLOGÍA Y NUEVOS MEDIOS

El medio es el mensaje

Studio Azzurro

libros en copia de autor para la descarga libre

Apple y la explotación laboral en China

Literatura y nuevas tecnologías

Pasos para ser un cyborg IX

Pasos para ser un cyborg VIII

Marina Nuñez

Pasos para ser un cyborg VII

Pasos para ser un cyborg VI

Pasos para ser un cyborg V

Pasos para ser un cyborg IV

Pasos para ser un cyborg III

Pasos para ser un cyborg II

Pasos para ser un cyborg

VISUALICIOUS

Proyecciones urbanas

Proyecciones en estructuras

El cubo de Etienne de Crecy

Tatsuo Miyamina

Teaser de Deus Ex 3 o en qué sueñan los hombres de hierro

TETSUO (EL HOMBRE DE HIERRO)

Para todos aquellos que estén interesados en la ciencia-ficción distópica y cyberpunk.

PREMIADOS VIDA 12.0

Ryan McGinness, Estudio Franquicia

En Arco apuestan por las periferias: Feminismo, surrealismo y arte latinoamericamo

JORNADAS VIDEO ARTE (HECHO EN ESPAÑA)

Facebook corta dos proyectos artísticos sobre eliminación de perfiles

John Cobra llega al segundo puesto en la candidatura de España para Eurovision

Film Festival Hors Pistes 2010 at the CENTRE POMPIDOU, supported by VideoArtWorld

Diseño, arte y tecnología / taller Reina Sofia

Fecha: 10 de febrero de 2010Lugar: Centro de estudiosHora: 19:00 hEntrada: Gratuita. Hasta completar aforo

Libros sobre ciberfeminismo/cibercultura

La industria de los 'Gold Farmers' da empleo a más de 400.000 personas

Screening the seventies

relaciones entre género y clase social

la pasión del significante

Creo que puede ser interesante

Tracey Moffat y la identidad construida del artista

una medusa inmortal

Cabezas robóticas, lo último en decoración para el salón

Curso 2008 / 2009

El Arte Sonoro. Hacia una nueva disciplina

Un insecto robot logra camuflarse en una colonia de cucarachas

HOLY FIRE

DEAD IN IRAQ

Arte y consumo. Veinte artistas y un bolso de Chanel

El Eje Atlántico y su Paisaje Sonoro

Free Sound Project

GRANOS DE CORAZÓN

AUDIOPAD

Graffiti Research Lab

Sexo y matrimonio con robots

Super Mario Clouds. (Cory Arcángel)

VELVET STRIKE [Anne-Marie Schleiner, Brody Condon y Juan Leandre]

InstantSOUP. Manual de Arte Interactivo.

Joan Brossa en la Casa Zavala

Jugar usando sólo el cerebro

MASTER EN TEORÍA Y PRÁCTICA DEL DOCUMENTAL CREATIVO.

Perfección para el consumo

YOUNG-HAE CHANG HEAVY INDUSTRIES

Software, música y cultura

Glitch...

Las Estéticas del Error.

Atmósfera "Técnica Mixta sobre Sonido y Palabra"

Percepciones Invisibles

Hurta Cordel XII Festival Internacional de Improvisación

MADRID ABIERTO 2008

land art??

David Claerbout

LA ROBÓTICA QUE VIENE

Látex, circuitos y carne humana para protestar contra el marketing

Comienza en Japón la Feria Internacional del Robot 2007.

PAISAJES NEURONALES

MINERVA CUEVAS.MEJOR VIDA CORPORATION

¡Vigilad los cielos! o Ciencia ficción: Nuestro futuro

La robótica se convierte en la última frontera creativa

VIDA 10.0

Global Cities

Fecha: 10 de febrero de 2010
Lugar: Centro de estudios
Hora: 19:00 h
Entrada: Gratuita. Hasta completar aforo