SENESCENCIA Ignacio Prado

Ignacio Pardo (Lugo, 1947) presenta en el Centro Galego de Arte Contemporánea. CGAC de Santiago de Compostela la exposición "Senescencia", un conjunto de vídeos e instalaciones que tienen en común el tema de lo efímero como argumento de fondo. La muestra cuenta principalmente con piezas realizadas por el creador durante los últimos años, junto con algunas anteriores, sobre todo de los años ochenta como: Clavos (1986), Triángulo (1988) o Tránsito (1988).
La exposición, que permanecerá abierta hasta el 1 de julio de 2007 y ha sido comisariada por Cristina Prego, resume las preocupaciones de este artista, quien a través de la práctica del videoarte y siempre haciendo uso de medios precarios o domésticos, se acerca estrechamente a aquellos temas que los mass media omiten a menudo de forma deliberada. De este modo, la muestra nos enfrenta cara a cara con cuestiones como la muerte, la rutina, la vejez, el deseo o el fracaso, mediante las imágenes desgarradoras y simbólicas que son propias del lenguaje plástico y visual de Pardo.

Technarte calienta motores

Arrancan los preparativos para la Conferencia Internacional sobre Arte y Tecnología

Bilbao, 08/05/07Comienza la cuenta atrás para el inicio de Technarte 2007, la Conferencia Internacional sobre Arte y Tecnología organizada por la Asociación Innovalia, que tendrá lugar en el Palacio de Congresos y de la Música Euskalduna Jauregia de Bilbao, durante los días 24 y 25 de mayo. En esta edición, Technarte contará con la presencia de importantes ponentes de gran prestigio internacional, como: Alfred Chen, Aurkene Alzua, Isaac Rudomin, Kristine Guzmán, Rosina Gómez-Baeza o Marta de Meneses, entre otros.
Por segundo año consecutivo se presentarán las últimas novedades tecnológicas aplicadas al mundo del arte, mientras se podrá disfrutar de un debate abierto en torno a estas cuestiones. La interacción entre ciencia y creatividad es un tema de plena actualidad, ya que ambas disciplinas han avanzado confluyendo de manera muy significativa durante las últimas décadas. Se trata, por tanto, de una oportunidad única para reflexionar y profundizar en torno a la estrecha relación que existe entre arte y ciencia, de la mano de importantes especialistas en la materia.
Si estás interesado en el evento, puedes consultar más datos sobre el programa o la inscripción, en nuestra sección convocatorias.

Mateo Maté. Paisajes uniformados

Hasta el 20 de mayo


Las obras de Mateo Maté que presenta ahora en el CAB, están dotadas de un aspecto formal, en bastantes casos ciertamente lúdico, y de una sorprendente presencia física. Lo que el artista ha hecho es construir a través de la invención del camuflaje los paisajes idílicos de obras de pintores como Corot o de Haes. En este proceso, Maté pone el mordiente en la idea de que el propio arte haya sido “utilizado” históricamente para diseñar los uniformes de los diferentes ejércitos del mundo. Ahora se trata, en palabras textuales del artista, "de devolver al arte, lo que la guerra le ha robado".
Muchas de ellas, nos hacen reflexionar sobre nuestra sumisión, consciente o inconsciente, a las reglas de vida cotidiana impuestas por la creciente neurosis hacia la superprotección de nuestras fronteras y de lo que nos rodea.

El artista no utiliza un lenguaje claro y meridiano; por el contrario, recurre a propuestas cargadas de ironía o sátira, con un código semántico muy sencillo, y con bastante sentido del humor, para hacernos llegar su mensaje de crítica al sistema y, para asimismo, servir de acicate para que reflexionemos sobre su teoría.

Mateo Maté pone de relieve esa especie de militarización de lo doméstico y de la realidad cotidiana que soportamos, no solamente en el hogar, sino en otros ámbitos fuera de éste, como el propio Museo o Centro de Arte Contemporáneo. Otra vez jugaremos a guerra en la selva…

La pantalla tactil del futuro

Como dice Pixel, al ver el vídeo de esta pantalla táctil uno no puede evitar ver a Tom Cruise manejando ventanas en la película Minority Report.
Es ésta una pantalla multipunto, que permite interactuar en ella en zonas diferentes, con varios puntos a la vez e incluso varios usuarios al mismo tiempo.
Se me hace la boca agua sólo de verme usando una de estas y poder además escribir sin teclado, sólo transmitiendo las palabras de viva voz o mejor, con los pensamientos.
De momento tenemos esto, desarrolado por Philip L. Davidson, Casey M.R. Muller e Ilya D. Rosenberg.

EL VIDEO ESTA CHULO.

El Reina Sofía acoge exposición de arte cinético

El Reina Sofía acoge por primera vez en España una exposición de arte cinético Obras que vienen de los museos más importantes del mundo como el Moma o el Metropolitan de Nueva York El museo Reina Sofía acoge por primera vez en España una exposición de arte cinético, donde todas las obras tienen una cosa en común: el movimiento. Las obras vienen desde los museos más importantes del mundo como el Moma y el Metropolitan de Nueva York, el centro Pompidou o la Tate Modern. Artistas dispares del pasado y presente siglo, de vanguardias y corrientes diferentes pero con algo en común, el movimiento. Y si no lo parece pruebe a alejarse, desplazarse verá el resultado. Entre en el juego de los efectos ópticos, el de las sombras y las luces, los contrastes entre colores y tamaños. Gigantes obras que parecen máquinas, móviles que parecen juguetes, cuadros que parecen moverse y prueben también a llevar a esta exposición de los cinéticos a los más pequeños, es para disfrutarla. Agencia Atlas

VIDEOS

Profundizando en la sociedad

La Fundação Calouste Gulbenkian de Lisboa, la Galerie Nationale du Jeu de Paume de París y el Museum of Contemporary Art de Sydney han aunado esfuerzos para presentar, en las salas de este último, una gran retrospectiva sobre la obra de Craigie Horsfield (Cambridge, 1949), que podrá visitarse hasta el 3 de junio de 2007.
"Craigie Horsfield. Relation" muestra, mediante una selección de trabajos realizados en diversos formatos, una de las más características preocupaciones del creador inglés, quien desde que comenzara su trayectoria artística, allá por los años sesenta, ha centrado su interés en los espacios urbanos y sus habitantes. Horsfield pretende expresar a través de sus obras las inquietudes y preocupaciones de la sociedad actual, su relación con todo aquello que le rodea y, especialmente, con el arte y la forma de asumirlo e interpretarlo. El MCA pretende, también, dar a conocer los últimos trabajos de este artista, ofreciéndonos una amplia panorámica sobre su creación y el personal estilo que le condujo a formar parte de la lista de nominados para el famoso Turner Prize, en 1996.

Gonzalo Mezza

Este artista Chileno, vanguardista , por su trayectoria y trabajo pionero ,con tecnologías electrónicas , video arte y computadoras, es considerado curatorialmente , como el precursor del Arte Digital y Net -Art en Latinoamérica , como tambien por sus Instalaciones Interactivas y uso temprano de Internet y web-art . Estableciendo con sus obras un puente entre las tecnologias avanzadas de la comunicacion medial , con el mundo de las artes visuales Contemporaneas , ampliando el concepto de Instalacion y uso de la imagen mediatica ...y los nuevos espacios que ocupa el arte .
Segun el critico brasileño , Arlindo Machado : "Utilizando los mas recientes y sofisticados soportes de la vaguardia tecnologica , a constribuido con su trabajo al cuestionamiento del sistema de las artes y el rol geopolitico y multicultural que ocupa el artista en el siglo XXI , donde conocimiento e informacion mancan los nuevos rumbos de las artes visuales contemporaneas" .
Su Hiposesis binaria sobre "El Octavo Arte " levantada por el en su restrospectiva 0+1 e-Evolution , en el Museo Mavi ,en el 2003, reflexiona , lo que estan explorando los artistas dentro del cyberespacio digital con sus multiples conexiones y transformaciones en la cultura contemporanea..desde el video arte y la informacion..a la cultura digital..
Realizo tempranamente su formación Académica y Nuevos Medios, en Nueva York , Chile, y posteriormente en España,Dinamarca y Brasil.
En 1969 , inicio sus Estudios de arte en la Facultad de Bellas Artes, de la Universidad de Chile y posteriormente en 1970 se traslado a Barcelona, formandose en la mitica Scola de Diseño EINA en Bar celona,
pro-Bauhaus, trabajando paralelamente en instalaciones de video y fotografias multimedios . En 1974 es convidado al IMAV Instituto de Medios Audiovisuales, trabajando en multimedios , Barcelona.España.
En 1977 reside en Copenhaguen, Dinamarca , continua investigando la fotografia medial y el video arte. De regreso a chile en 1979 trabaja activamente en nuestro medio cultural , 1982 fue co-Fundador de la asociacion Fotop en Chile . En 1995 viaja , al Brasil donde desarrolla sus conocidas cyber-instalaciones interactivas via internet e obras relacionadas con el infoArte

Desde los inicios del año 1970 al 2003 realiza , trabajos vinculados al Arte Conceptual e Instalaciones, Video-Arte , Fotografía , y Net-Art .
Regresa a Chile en el 2002 y actualmente sus obras estan orientadas a los nuevos espacios que ocupa la cultura digital , Cyber-instalaciones multimediales en espacios Museales, Publicos y Privados, realizando Proyectos Tecnológicos independientes y Asesorías de Arte y Multimedios en el área de la Educacion .


Gonzalo Mezza

Lo último en videoarte

Abre sus puertas la Videonale11, en el Kunstmuseum de Bonn
Bonn, 15/03/07Las últimas propuestas en materia de videoarte se presentan en la nueva edición de Videonale, el festival que se celebra en el Kunstmuseum de Bonn hasta el 15 de abril de 2007. Un total de 48 trabajos, entre los más de 600 que fueron presentados inicialmente, pueden contemplarse en las salas del Museo alemán. Al finalizar el evento, un jurado de lujo formado por la artista Candice Breitz, Rudolf Frieling y Susanne Titz escogerá la obra ganadora del Videonale Prize, un galardón dotado con 5.000 euros.
Entre las obras seleccionadas en esta décimo primera edición podrán contemplarse los trabajos de artistas como Jean-Gabriel Périot (Tours, 1974), Nick Jordan (Manchester, 1967) o Mischa Kuball (Düsseldorf, 1959), junto a otros realizados por jóvenes promesas de la creación contemporánea como Lia Anna Hennig (Frankfurt am Main, 1981), cuya provocativa obra, Eat me (2006), se ha convertido en la imágen del festival para este año. En esta ocasión, además de dar a conocer las últimas novedades del videoarte a nivel internacional, el comisario, Georg Elben, ha querido también ofrecer respuestas a las cuestiones museográficas y expositivas que rodean a este tipo de trabajos.

Fantasías de Nam June Paik

La Fundacion Telefónica de Madrid presenta una exposición antológica del artista coreano
"Nam June Paik y Corea: de lo fantástico a lo hiperreal". Hasta el 20/05/07
FUNDACIÓN TELEFÓNICAC/ Fuencarral, 3 MadridDel 14 de febrero al 20 de mayo de 2007, en la Fundación Telefónica de Madrid Comisaria: Hong-hee Kim Organiza: Fundación Telefónica de Madrid y Comité Organizador de Corea en ARCO Colabora: Casa Asia y la Gyeonggi Cultural Foundation Obras: 70 piezas Nam June Paik (Seúl, 1932 - Miami, 2006), uno de los creadores más importantes de la segunda mitad del siglo XX y apreciado por muchos críticos e historiadores como el padre del videoarte, es presentado estos días en la Fundación Telefónica de Madrid como pocas veces se ha hecho hasta ahora. La exposición "Nam June Paik y Corea: de lo fantástico a lo hiperreal" quiere acercar al público la mirada que este artista desarrolla en torno a dos aspectos muy concretos: de una parte, el carácter de lo coreano, como gentilicio y determinante cultural, y de otra, la exploración de su imaginario personal, en el que la fantasía frente a la realidad cobran una particular dimensión.La Fundación Telefónica de Madrid, con la ayuda de la coreana Gyeonggi Cultural Foundation, han depositado en la comisaria Hong-hee Kim la responsabilidad de mostrar al público cómo June Paik ha tomado de su mundo propio, y del de su entorno cosmopolita -tras haber vivido en Japón, Alemania y Estados Unidos-, el sustrato principal para crear una obra donde la espiritualidad oriental y el sentido pragmático del mundo Occidental conviven en piezas llenas de tecnicismos. Al respecto, es necesario indicar que las piezas presentadas en esta muestra nunca antes habían salido del país asiático. Tras diversos préstamos de coleccionistas privados e instituciones, han podido reunirse unas setenta obras, en la que es la primera muestra antológica de June Paik en Europa y con la que se quiere conmemorar el primer aniversario de la muerte del artista en el marco, además, de la participación de Corea como invitado especial en ARCO'07. Una vida fuera de las fronteras de su Corea natal determinan en el exilio de June Paik una eterna añoranza hacia ésta, que unida a su gusto por la imagen y el sonido, se traduce en experimentaciones donde el uso de monitores, televisiones, radios y elementos afines estimulan la recreación y confusión de la fantasía, la realidad y la hiperrealidad. Todo esto se ve nutrido por referencias orientales relativas a arquetipos tan tradicionales como los del conejo, la luna, la tortuga o el chamán; convirtiéndose sus piezas en trabajos con una importante carga visual y conceptual que nos desvelan una nueva mirada hacia el trabajo de June Paik.

ESTADO DE SITIO RESIDUO SONORO POSTCONSUMO - IVÁN ABREU

El proyecto in-situ ocupa el residuo sonoro electromecánico que emerge de varios medidores de luz en los cuales el movimiento de sus discos es secuenciado manipulando la iluminación (consumo) de una de las capilla del Museo Ex Teresa. La obra crea una red de consecuencias en cuyo centro se repiensa al objeto (medidor de luz) como “objeto-acoplador”, capaz de acoplar el sistema de consumo eléctrico del museo con un sistema sonoro, permitiendo causalizar los flujos de ambos sistemas.

META.morfosis. El museo y el arte en la era digital

El proyecto META.morfosis reúne la obra de hasta 26 destacados autores cuyo trabajo se ha distinguido en los nuevos ámbitos de la creación y el arte digital, además de las 17 propuestas de arquitectura destinadas a replantear (sobre el espacio concreto del MEIAC), la función del museo de arte y su entorno urbano en el siglo XXI.

La exposición centra su interés en el nuevo arte del siglo XXI, es decir,en el arte conceptual generativo, el netart, el hacktivismo, y el bioarte, llamando la atención del público y de los especialistas hacia los intensos y rápidos cambios operados en los contextos más dinámicos de la creación artística mundial desde mediados de los años 90.


Por otra parte, el amplio solar de 25 mil metros cuadrados donde se ubica el MEIAC es usado como campo de pruebas para ensayar una reflexión en profundidad que pretende la mejora de las prestaciones sociales del museo y su mas completa integración en la ciudad, proyectando su futuro comportamiento en el entorno de una sociedad en crecimiento, diversificada y exigente.

Al mismo tiempo que una amplia panorámica abierta a las más recientes creaciones del arte digital; o una propuesta de reflexión sobre la función del museo de arte del siglo XXI, el esfuerzo que converge en la realización de META.morfosis propone repensar el propio espacio del museo, su sostenibilidad, su más amigable y formativa relación con el público y su plena integración en el entorno urbano como centro de excelencia creativa y buenas prácticas culturales.

Artistas y obras:

01 -- 0100101110101101, "Perpetual Self Dis/Infecting Machine" y
"Biennale.py"
02 -- Alexei Shulgin, "ABC"
03 -- Amerika-Reddell-Silva, "SOS"
04 -- Andre Sier, "Struct_1"
05 -- António Carvalho, fondos para moviles
06 -- Arcangel Constantini, "Atari-noise"
07 -- Brian Mackern, "Maquina Podrida ( La Desdentada )"
08 -- Christian Montenegro, 10 fondos para moviles
09 -- France Cadet, "Flying Pig"
10 -- Electronic Disturbance Theatre and Electronic Civil Disobedience -
EDT's Public Version of the Zapatista FloodNet. "DDK (Disturbance
Developer Kit)"
11 -- Gustavo Romano, "Nocturno"
12 -- Han Hoogerbrugge, "Nails #2"
13 -- John Klima, "Train"
14 -- Joan Leandre, "NostalG_2"
15 -- John F. Simon Jr., "Every Icon"
16 -- Konic thtr - Rosa Sanchez y Alan Baumann, "Soliloquio"
17 -- Lisa Jevbratt, "Out of the Ordinary"
18 -- Maite Cajaraville, 10 fondos para moviles
19 -- Marta de Menezes, "Nature?"
20 -- Nuno Valério, fondos para moviles
21 -- Olia Lialina, "My Boyfriend Came Back From The War"
22 -- Pedro Zamith, fondos para moviles
23 -- Peter Luining, "RESEARCH"
24 -- Santiago Ortiz, "La esfera de las relaciones"
25 -- Vuk Cosic, "Metablink"
26 -- Young-hae Cheng Heavy Industries, "Artist's Statement No. 45,730,944"


Arquitectos y proyectos:


FpD_00 - Mr Fung - Los jardines / "Babilonia"
FpD_01 -- Matias Pintó + Mateo Pintó - "Tierra"
FpD_02 -- n ARCHITECTS. Eric Bunge + Mimi Hoang - "Sombra"
FpD_03 -- S'A Arquitectos - "Terraza"
FpD_04 -- a.S*. Pedro Costa + Célia Gomes - "San Valentín" / "L'Amour Fou"
FpD_05 -- Colectivo Cuartoymitad. Ana Miret García + Miguel Paredes Maldonado
+ Ruth Vega Clemente - "Muro"
FpD_06 -- David Campos + Ursula Schneider - "Pista"
FpD_07 -- marcosandmarjan - "E-vernadero" / "El Coral"
FpD_08 -- AMID + a! [Cristina Díaz Moreno + Efrén García Grinda / Luis
Cabrejas + Hsiao Tien Hung] - "Museo Inmaterial"
FpD_09 -- Ayssar Arida - "Mimésis"/ "Quameleon"
FpD_10 -- AIRRIGHTS, architectural studio. Elsa Caetano + Ottevaere Olivier -
"Sonrisa"
FpD_11 -- 011.estudio. Bruno Gomes + Renata Furlanetto + Samanta Cafardo -
"Palavra"
FpD_12 -- go/a. Daniela Gomes + Nuno Almeida - "Tiempo"
FpD_13 -- ES Studio. Silvestre Castellani - "Hotel de las Artes"
FpD_14 -- Victoria Acebo + Angel Alonso - "Ascensión"/ "Travellator"
FpD_15 -- Daniel Jiménez/ Jaime Olivera -"Resonadores

LA PIEL HABITADA. de Manuel Vilches.

Dentro del ciclo Post-Local Projects, el MEIAC presenta La Piel Habitada de Manuel Vilches, artista que, desde hace ya cierto tiempo, viene trabajando en obras compuestas por diversas estructuras arquitectónicas, que se constituyen en auténticos arquetipos del vacío y del silencio, más que propiamente en edificios o espacios habitables. Su estrategia habitual de trabajo nos muestra imágenes engendradas por procedimientos digitales, impresas en tela o en aluminio, frecuentemente manipuladas mediante intervenciones pictóricas.

La piel habitada propone un paso más adelante en todas estas estrategias expresivas. Una estructura tridimensional, que incluye también efectos de sonido ambiental, con los que enriquece sus posibilidades expresivas y conceptual.

vínculo

Candice Breitz. exposición en el MUSAC

Título Exposición: Candice Breitz: Exposición MúltipleArtista: Candice Breitz (Johanesburgo, Sudáfrica, 1972)Comisario: Octavio ZayaCoordinación: Marta Gerveno, Alexander FahlLugar: Salas 1 y 3, MUSACFechas: Del 20 de enero al 2 de mayo de 2007El MUSAC presenta una muestra monográfica de Candice Breitz, en la que se que repasa su última producción realizada entre los años 2000 a 2005 y centrada en la vídeo-instalación. Establecida en Alemania desde hace años, Candice Breitz aborda en su trabajo las inflexibles fisuras entre la cultura y el consumo, la experiencia y el lenguaje. Según el comisario de la muestra, Octavio Zaya, en estas piezas “Breitz tiende a desvelar y a interrogar las imágenes fílmicas que toma del cine comercial, la televisión y los vídeos musicales. Deliberada y agresivamente, la artista re-organiza este material fílmico y lo aisla de su narrativa y funciones estéticas características y habituales. Con estas intervenciones, Candice Breitz no busca la crítica sino “abrir, revelar y exponer el simulacro entre la realidad y la ficción, la experiencia y el lenguaje, las identidades y los medios que la representan”.

VIDEO

MARCELLO MERCADO

Premio Konex 2002. Nace en 1963. Vive y trabaja en Köln, Alemania. Videoartista, performer, plástico, músico y netartista. Su trabajo enlaza las técnicas de animación con un acercamiento antropológico y político; la imaginería científica y los patterns abstractos; lo orgánico y lo inorgánico; caos y logaritmos; técnicas documentales con plena abstracción. Sus trabajos fueron exhibidos en museos y galerías de Europa, Asia, África, Norte y Sudamérica. Actualmente desarrolla un proyecto de larga duración: El Capital interpretación del libro de Karl Marx; una segunda ópera electrónica y performances con cámaras de trafico. En 1994 recibe la beca de las Fundaciones Antorchas, Rockefeller y John D. And Catherine T. Mac Arthur. Fue becado en 1996 por las Fundaciones John D. And Catherine T. Mac Arthur, Rockefeller y Lampadia. En 1999 recibe la Fellowship de la Kunsthochschule für Medien Köln Alemania. Es Artista en Residencia, desde el 2000 hasta este año del Centre International du Creation Vidéo Pierre Schaeffer Montbéliard Belfort, Francia. Fue distinguido con los premios: 1er Premio en el 13º Video Brasil, São Paulo (2001); 1er premio en el 12º Video Brasil, São Paulo (1998); Grand Prix de La Création Vidéo Vidéoformes Clermont-Ferrand, Francia (1998); 2do Premio en el Videofest Berlin (1994); Grand Prix de Toutes Categories 4a Mondial de la Video Bruxelles, Belgique (1994); Premio Especial a la Creación en el Festival Internac. de Lorquin, Francia (1995); Mejor Video Arte, Revista "Sin Cortes", Bs. As. (1996); 1er Premio en el Festival de Video de Rosario (1994y 1995) Mejor Video en la Bienal de Arte en Ciudad Joven Bs. As. (1994) y Mención en el Buenos Aires Video VIII, Inst. de Coop. Iberoamericano (1996).

Rafael Lozano-Hemmer nació

www.lozano-hemmer.com

Artista electrónico, realiza intervenciones interactivas en espacios públicos, normalmente usando nuevas tecnologías e interfaces hechos a medida. Su trabajo ha sido mostrado en dos docenas de paises, incluyendo la Bienal de Liverpool (GB), el Itau Cultural (Brasil), la Bienal de Estambul (Turquía), el Festival Capital Europea de la Cultura (Holanda), la Bienal de la Habana (Cuba), el Musée des Beaux Arts (Canadá), la Feria ARCO (España), el European Media Art Festival (Alemania), la Bienal de Arquitectura y Media (Austria), el Museo de Monterrey (México), el Museo Metropolitano de Fotografía de Tokio (Japón), el Festival Ars Electronica (Austria), SIGGRAPH'93 (EEUU) y otros. En 1998 recibió el encargo de desarrollar una pieza de arte interactivo monumental para las celebraciones del nuevo milenio en el Zócalo de la Ciudad de México.
En el festival Ars Electronica de Austria, su trabajo ha recibido el premio "Golden Nica" (2000), una distinción (2002) y dos menciones honoríficas (1995 y 1998). También ganó el premio BAFTA al Arte Interactivo en Londres (2002), "Mejor Instalación" en el galardón IDMA de Toronto (1996), el "Design Review Gold Award" de I.D. Magazine (2002), un Cyberstar Award en Colonia (1996), una distinción en los premios SFMOMA Webby (2001), "Artista del Año" en los Rave Awards de Wired Magazine (2003), un premio a la excelencia del Festival de Media Art de Japón (2001), una beca Rockefeller (2003) y un premio Bauhaus en Dessau, Alemania (2002).
Ha impartido numerosas conferencias y talleres, recientemente en el MIT MediaLab, el Museo Guggenheim, la U. de Toronto, LA MOCA, Netherlands Architecture Institute, Yamaguchi Center for Arts and Media, UC Berkeley, Berlin Transmediale, el Museo Nacional de Fotografía Británico, Imagina en Montecarlo y en el Art Institute de Chicago.

Publicado: ALba Cruz

'Show Time' acerca al CAC Málaga hasta el próximo 18 de marzo la visión del británico Julian Opie a través de sus figuras y animaciones

CAC. Julian Opie expone 'Show Time'.

LA EXPOSICIÓN


Título: 'Show time'.

Artista: Julian Opie (Londres, 1958).

Lugar: CAC Málaga.

Dirección: C/ Alemania, s/n.

Duración: Hasta el 18 de marzo.

Horario: De martes a domingo de 10.00 a 20.00 horas.

Al entrar en 'Show time', la exposición que el artista británico Julian Opie inauguró ayer en el CAC Málaga, el espectador se ve rodeado de rostros que le observan. El recorrido le lleva a nuevas caras con miradas furtivas. De repente, una de las mujeres retratadas arquea las cejas. El espectador parpadea, mira, y la imagen vuelve a estar tan quieta como al principio. Sólo por un momento. Las animaciones son una de las grandes estrellas de la muestra: rostros que parpadean, pendientes que oscilan, relojes que avanzan y humo de tabaco que asciende impasible son algunos de los ingredientes de las obras del británico, presentadas en pantallas de plasma con ordenador que difícilmente se distinguen, cuando están quietas, de las imágenes en vinilo iluminadas desde dentro.
Expongo para buscar un diálogo con el espectador», explicaba ayer Opie durante la presentación de la muestra, que podrá verse hasta el 18 de marzo y que está compuesta por 41 obras, que incluyen piezas hechas con pantallas LED y esculturas con sonido. Todas se ocupan de la figura humana. Entre ellas, algún miembro del grupo Blur y el cantante Bryan Adams. «Preferimos centrarnos en un tema y ver la profundidad del artista a través de él», señaló ayer el comisario de la exposición y director del CAC Málaga, Fernando Francés. La muestra está coorganizada por Bancaja y el CAC Málaga.
Tecnología y desnudos
Otro de los elementos destacados son los desnudos femeninos. O, mejor dicho, los 'striptease'. Opie utiliza figuras lenticulares que crean la ilusión de animación. Así ocurre en dos series de chicas que se van desnudando cuando el espectador camina junto a ellas.
También están representadas mujeres que realizan en una pantalla de LED los movimientos de una bailarina de 'striptease'. «Capto mejor a las mujeres cuando son conscientes de que están siendo captadas», explicó el artista londinense que utiliza como base para sus figuras el símbolo que figura en las puertas de los WC.
A uno de estos símbolos superpuso una foto de su mujer y así comenzó a dibujar el cuerpo humano, allá por 1995. «Añado datos a esa representación de todas las mujeres», precisó. Opie no se ha limitado a las salas del museo. «Me gusta adecuar mi obra a los espacios que me brindan», señaló el autor, que ha instalado dos animaciones hechas con LED en el exterior del edificio -un hombre y una mujer que caminan en direcciones opuestas- y ha colocado imágenes en los cristales de la cafetería y la tienda, además de las puertas de cristal de la sala.
«Busco que la gente sienta lo mismo que yo ante mi obra», explicó el artista, al que sus imágenes le transmiten «energía y dinamismo». Pero también intenta aportar «un nuevo conocimiento del mundo», no sólo «disfrutar en el museo, también llevarse un bagaje para valorar la vida».

publicado por alba cruz

FEDERICO MUELAS Y SU "DRIPPING SOUNDS

Dripping sounds

"Dripping Sounds" es una instalación sonora y visual en el cual el movimiento en evolución de gotas de tinta expandiéndose en agua determinan el sonido que habita el espacio en un intento de establecer correspondencias entre los mensajes de diversa naturaleza que percibimos por nuestros diferentes sentidos y de entender el caos como la imposibilidad de aprehender el orden subyacente de los sistemas naturales.

La "maquina de tinta" y la "pantalla sonora" son los dos elementos independientes que coexisten en la instalación. El primero, constituido por un pequeño contenedor de cristal de 0,22 galones de capacidad, un sistema de iluminación halógeno, una combinación de lentes cóncavas y un mecanismo de goteo de tinta y de renovación de agua regulado por un microcontrolador, se ocupa de las siguientes tres funciones: La proyección óptica del movimiento de la tinta, la regulación de la precisa cadencia de goteo y del ciclo de renovación del agua. La "pantalla sonora" traslada a sonido la imagen proyectada sobre su superficie a través de los veinte módulos sonoros fotosensibles instalados en su reverso.

Dichos módulos sonoros, conectados cada uno respectivamente a uno de los veinte altavoces que rodean la pantalla, se distribuyen formando una cuadricula de cuatro columnas y cinco filas. Cada fila contiene un circuito electrónico o "modulo maestro" que reproduce constantemente un archivo de sonido digital de veinte segundos y transmite a los cuatro módulos a los que esta conectado en paralelo.

El sonido que contienen todos los módulos maestros proviene de la misma fuente sonora, pero varían en su altura dependiendo de su posición en la cuadricula. Cada fila reproduce una nota mas grave que la fila inmediatamente situada sobre ella, formando una uniforme escala de cinco valores sonoros.

Cada uno de los veinte módulos sonoros contiene una célula fotosensible situada en el anverso de la pantalla y que determina el volumen del sonido que este reproduce. La intensidad de la luz captada es inversamente proporcional al volumen del sonido emitido. De tal manera cuando la imagen proyectada de la gota de tinta pasa por encima de cada modulo este delata su posición aumentando la amplitud de su onda de sonido y viceversa, contribuyendo así a la interpretación sonora que hace la pantalla sonora de la forma de la ramificada macha de color. A la par que esta asciende por la pantalla (la imagen esta invertida verticalmente por la combinación de lentes cóncavas) la frecuencia del conjunto de sonidos emitidos se eleva evolucionando de graves a agudos.

Datos técnicos
-Técnica: Instalacion sonora y visual.
-Fecha de realización: 2002-2003.
-Lugar de realización: Nueva York, USA.
-Materiales: Acero, cristal, metacrilato, aluminio y componentes electrónicos.
-Tamaño: Pantalla sonora: 91 cm de diámetro X 17 cm de ancho. Maquina de tinta: 100 cm de largo X 179 cm de alto x 59 cm de ancho, Espacio necesario para exhibición: 4.5 m x 3.5 m

publicado: Alba Cruz