Psyop y MTV, visual haiku

Este videoclip que parece que tiene como temática la naturaleza está realizado por Psyop. lo realizaron para la MTV.
Créanme si les digo que ni una sola de las imágenes que puedan acompañar esta entrada hará justicia a la absoluta belleza de este haiku visual que se han currado los chicos de psyop para la MTV.

Podemos ver en dicho trabajo como van mutando las formas de las ramas de los árboles en pájaros y viceversa, hasta que llega a un punto casi acabándose este trabajo en el que todas las formas están tan unidas y juntas que cuesta saber que son árboles y que son pájaros.

Clic para visualizar el video

Chris Cunningham, "Sheena, the horrors"

Sin hacer mucho ruido y un poco por la puerta de atrás, Chris Cunningham ha vuelto al videoclip. "Sheena is a Parasite", para The Horrors, es su primer vídeo nuevo en siete años. Para ser el regreso al vídeo musical del hombre que cambió para siempre el género, todo resulta un poco anticlimático: menos de dos minutos de imágenes, de bajísimo presupuesto, que recuperan al Cunnigham más serie B, y ofrecen muy poco que no hayamos visto ya.

Sheena, por cierto, es la actriz Samantha Morton; a juzgar por lo que le pasa cuando se levanta las faldas, debe ser familia de Rubber Johnny. La estética de este videoclip recuerda mucho a la del video nombrado anteriormente "Rubber Johnny", mayoritariamente con ambiente oscuro, pero con numerosos flasazos y destellos de luz que aumentan un poco la sensación de una posible explosión de la protagonista de este video. El director nos aporta pocos recursos nuevos, ya que en lo más impresionante que aparece en el videoclip, que es cuando la chica se sube la falda y aparecen numerosos trozos de carne, parece una adaptación de lo que en su día hizo en el título anterior.

Video en buena calidad, Quicktime o MP4

Takagi (Masakatsu)

Takagi se considera músico y artista visual sin ningún orden preferente, y ha obtenido reconocimientos importantes en ambs campos. Pero lo que le está haciendo famoso sin duda son sus videopinturas, secuencias de imágenes rodadas en DV que transforma en explosiones de color y forma superimponiendo trazos y aplicando con generosidad filtros en la postproducción. Su trabajo tiene bastantes paralelismos con el de Jeremy Blake, aunque es menos pop y más bucólico.



Junto a su carrera cada vez más establecida en el mundo del arte, Masakatsu se ha convertido en uno de los realizadores de visuales para conciertos y videoclips más cotizados en japón, y ya firmado piezas para Ryoji Ikeda,David Sylvian, Sketch Show, o este jazzístico video para Cornelius.
Galería de proyectos de Takagi Masakatsu en Apple.com

Este video muestra inumerables explosiones de colores que se van fundiendo unas con otras hasta el final del video. Si se atiende bien al audio, podemos escuchar de fondo acompañando al piano principal, la evolución de una impresión que está realizando una impresora, que el autor se preocupa de hacer que el movimiento de todas esas masas de colores vayan sincronizadas con ese ruido característico de una impresora.

GPS DRAWING

GPS drawing es la práctica de producir imágenes virtuales con las líneas de los itinerarios que graba un receptor de GPS ( (wiki) durante una trayectoria específica.


Entre los artistas destacados en el dibujo con GPS se puede ver la obra de Jeremy Wood que muestra lo lejos que puede llegar esta idea. Wood estudia la cartografía personal produciendo dibujos, esculturas y videos originados exclusivamente con GPS, algunos de ellos de más de 30 kilómetros de extensión. Empezó con esta actividad en el año 2001 y desde entonces realizó exhibiciones y performance personales y colectivas en todo el mundo. En sus propias palabras

“La cartografía personal ayuda a articular y clarificar el mundo que tenemos alrededor. Nuestra habilidad de leer y escribir el espacio nos sacude a nuevos mundos” (…) Y sintetiza: “(los dibujos con GPS) Son el resultado del cruce entre la ciencia, el arte y la geografía”.

Wood realiza además actividades de introducción a la cartografía personal y el uso de GPS con chicos de 9 y 10 años


En estos Workshops, los chicos tratan de dibujar piezas específicas. Pueden ser la silueta de objetos, palabras, rostros simplificados, laberintos.
La obra de Wood se extiende a capturas que realiza sobre embarcaciones, helicópteros, automóviles y caminando. Algunas de esas representaciones pueden verse en Google Earth (como ésta Phoenix Space Invader). También ha realizado maquetas tridimensionales con computadoras y maquetas sólidas con cartulinas.

Modern Art Oxford ‘Drawing Oxford on Oxford’ Workshop display, Oxford, UK 11/2003

Drawing on Oxfordshire.Oxfordshire Museum, Workshop display, Woodstock,

FEDERICO MUELAS Y SU "DRIPPING SOUNDS

Dripping sounds

"Dripping Sounds" es una instalación sonora y visual en el cual el movimiento en evolución de gotas de tinta expandiéndose en agua determinan el sonido que habita el espacio en un intento de establecer correspondencias entre los mensajes de diversa naturaleza que percibimos por nuestros diferentes sentidos y de entender el caos como la imposibilidad de aprehender el orden subyacente de los sistemas naturales.

La "maquina de tinta" y la "pantalla sonora" son los dos elementos independientes que coexisten en la instalación. El primero, constituido por un pequeño contenedor de cristal de 0,22 galones de capacidad, un sistema de iluminación halógeno, una combinación de lentes cóncavas y un mecanismo de goteo de tinta y de renovación de agua regulado por un microcontrolador, se ocupa de las siguientes tres funciones: La proyección óptica del movimiento de la tinta, la regulación de la precisa cadencia de goteo y del ciclo de renovación del agua. La "pantalla sonora" traslada a sonido la imagen proyectada sobre su superficie a través de los veinte módulos sonoros fotosensibles instalados en su reverso.

Dichos módulos sonoros, conectados cada uno respectivamente a uno de los veinte altavoces que rodean la pantalla, se distribuyen formando una cuadricula de cuatro columnas y cinco filas. Cada fila contiene un circuito electrónico o "modulo maestro" que reproduce constantemente un archivo de sonido digital de veinte segundos y transmite a los cuatro módulos a los que esta conectado en paralelo.

El sonido que contienen todos los módulos maestros proviene de la misma fuente sonora, pero varían en su altura dependiendo de su posición en la cuadricula. Cada fila reproduce una nota mas grave que la fila inmediatamente situada sobre ella, formando una uniforme escala de cinco valores sonoros.

Cada uno de los veinte módulos sonoros contiene una célula fotosensible situada en el anverso de la pantalla y que determina el volumen del sonido que este reproduce. La intensidad de la luz captada es inversamente proporcional al volumen del sonido emitido. De tal manera cuando la imagen proyectada de la gota de tinta pasa por encima de cada modulo este delata su posición aumentando la amplitud de su onda de sonido y viceversa, contribuyendo así a la interpretación sonora que hace la pantalla sonora de la forma de la ramificada macha de color. A la par que esta asciende por la pantalla (la imagen esta invertida verticalmente por la combinación de lentes cóncavas) la frecuencia del conjunto de sonidos emitidos se eleva evolucionando de graves a agudos.

Datos técnicos
-Técnica: Instalacion sonora y visual.
-Fecha de realización: 2002-2003.
-Lugar de realización: Nueva York, USA.
-Materiales: Acero, cristal, metacrilato, aluminio y componentes electrónicos.
-Tamaño: Pantalla sonora: 91 cm de diámetro X 17 cm de ancho. Maquina de tinta: 100 cm de largo X 179 cm de alto x 59 cm de ancho, Espacio necesario para exhibición: 4.5 m x 3.5 m

publicado: Alba Cruz

INTO ME / OUT OF ME

He encontrado una exposición que parece muy interesante aquí os la describo: exposición de 132 artistas tiene unas dimensiones descomunales y el espacio del Kunst Werke no es el PS1 aunque se da la casualidad, salvando el tamaño, de que son lugares muy afines. La muestra está comisariada por Klaus Biesenbach y gira en torno a las diversas formas de entender el cuerpo a partir de trabajos realizados en los últimos cuarenta años. Se trata de plantear cómo los artistas las formas literales y metafóricas que tenemos de comportarnos con nuestro propio cuerpo y cómo interactuamos con el de otras personas. Y todo a partir de tres premisas fundamentales: el metabolismo (comer, beber, defecar…), reproducción (nacimiento, adolescencia, madurez) y violencia en sus diferentes interpretaciones.

http://www.elcultural.es/HTML-web/ARTES/Expo-Mundo/Intome.asp

Jorge Molder

Se trata de un proyecto de doble identidad, cuyo autor es Jorge Molder en el que afronta el reto de su propia representación jugando con las duplicidades e invitando al espectador a cuestionarse los límites. Mostrarse uno mismo pero explorando de manera diferente los elementos del autorretrato tradicional, acercándose a uno mismo de manera subjetiva. Las fotografías que forman parte de esta exposición pertenecen a series articuladas según criterios de pertenencia y tiempo, casi siempre con su rostro como único elemento. No pretenden contar un relato sino motivar a los espectadores a que sean ellos los que a partir de las imágenes generan nuevas historias. El empleo del blanco y del negro, así como las sombras presentes en buena parte de sus obras, acentúa el misterio de las escenografías recreadas por Molder, generalmente inspiradas en atmósferas que trascienden su entorno cotidiano y en las que muchas veces intervienen aspectos extraídos del cine, la literatura y el arte.
http://www.masdearte.com/item_exposiciones.cfm?noticiaid=10235
Siento no poder poner fotografía pero no he logrado hacerlo.

El noveno arte en el MOMI de Nueva York

En 1989 el MOMI (Museo de la Imagen en Movimiento) de Nueva York, fue uno de los pioneros en la realización de exposiciones sobre videojuegos.
Actualmente han creado la primera exposición permanente sobre la industria del videojuego y su desarrollo y evolución a lo largo de la historia.
La exposición lleva el nombre de “Interacting WithThe Screen” (Interactuando con la pantalla) y está dedicada a Ralph Bauer, padre del videojuego.
Esta exposición está integrada en “Behind The Screen” (Tras la pantalla) y muestra los comienzos de los aparatos informáticos, el video, los juegos arcade, todo ello a través de máquinas, demostraciones educativas…
Están presentes videojuegos como “Computer Space” de Nolan Bushnell (1971); el primer sistema doméstico de videojuegos “The Oddyssey” (1972); los “Space Invaders” (1978); “Asteroids” (1979); “Combat” (1977) entre otros.
Algunos consideran que la exposición permite el reconocimiento definitivo del videojuego como forma de arte. Llegando a definirlo como el noveno arte.

http://www.meristation.com/v3/des_articulo.php?pic=PC&id=cw4414b3b7454d3&idj

Publicado por Nieves Rivas García

ARTE VS VIDEOJUEGOS

Actualmente y a raíz de la utilización de los videojuegos como parte de la obra de muchos artistas, ha surgido el debate en torno a la consideración del videojuego como elemento artístico.
El crítico de cine Roger Ebert negó esta posibilidad e Hideo Kojima, creador y director de varios videojuegos exitosos, apoyó su postura.
En un artículo publicado en Meristation por Francisco Alberto Serrano Acosta, éste expone su opinión sobre el tema afirmando que el arte, a pesar de que no exista una definición exacta del mismo y de que pueda abarcar una gran cantidad de campos difíciles de llevar a un límite, nos permite transgredir, comunicar, opinar, sentir…
Los videojuegos se caracterizan por la interactividad, el usuario toma sus propias decisiones y las plasma en el juego según sus intereses. Sin embargo podemos observar que en las disciplinas consideradas artísticas – y pone como ejemplo la literatura- el receptor no puede modificar ni intervenir en el trabajo del autor. Este sería uno de los ejemplos que dejarían claras las diferencias entre arte y videojuegos.
También tiene en cuenta la opinión de Kojima quien apoya éstas diferencias. Kojima afirma que los videojuegos no pueden ser arte porque buscan una sensación similar en todos los jugadores, mientras que el arte llega a cada espectador de una manera distinta.
El autor del texto termina expresando su interés por los avances virtuales y las infinitas posibilidades que nos proporcionan a la hora de expresar y comunicar, pero considera que los videojuegos no son precisamente el elemento interactivo adecuado para conseguir estos objetivos.


El artículo ha sido publicado en Meristation el lunes, 13 de marzo de 2006

http://www.meristation.com/v3/des_articulo.php?pic=PC&id=cw4414b3b7454d3&idj

Edward Ihnatowicz.

En el trabajo de Ihnatowicz la reacción del robot es provocada por la voz y la proximidad de los espectadores. Edward Ihnatowicz es quizá el menos conocido de los pioneros del arte robótico, trabajó relativamente aislado creando “The Senster” entre 1969 y 1970. La obra consiste en una criatura robótica biomórfica controlado por ordenador que presenta un comportamiento tímido.La obra fue presentada entre 1970 y 1974 en Eindhoven, Holanda, para luego ser desactivada. La criatura movía su cabeza de forma suave en dirección a los espectadores más tranquilos, a la vez que se alejaba de los más agitados con intención de protegerse de un posible daño. Con este comportamiento aparentemente inteligente, el robot provocaba la participación activa de los espectadores. Ihnatowicz creó así la primera obra cuyas elecciones, reacciones y movimientos se debían a un procesamiento de datos y no a artesanía formal ni tampoco al uso de dispositivos analógicos.

No es Cao, sino Stelarc

No, no es Cao!!, sino Stelarc que ha enfocado su trabajo hacia su propio cuerpo. En 1981, construye “The Third Hand”, una mano robótica de cinco dedos activada por los músculos abdominales y de la pierna, basada en un prototipo de Ichiro Kato. Stelarc crea así una mano robótica que añade a su brazo derecho, capaz de tener movimiento independiente gracias a las señales eléctricas originadas por los músculos abdominales. Mientras, su brazo izquierdo es gobernado por sensores conectados a un estimulador a control remoto.Al anexionarse un tercer brazo robótico, Stelarc desarrolla polémicas metáforas del cyborg y de lo posthumano, dando lugar a debates sobre la evolución y adaptación del ser humano en el ambiente tecnológico que lo rodea. Durante diferentes performances robóticas, Stelarc ha relacionado la tecnología con el cuerpo humano, combinando su tercera mano con muchísimos dispositivos tecnológicos, incluyendo elementos utilizados en medicina. En la década de los 90, incluso empleó la tecnología protésica para estimular a distancia sus músculos, provocando movimientos y gestos del cuerpo incontrolables por el artista.

Kapitaal de Smack

Alguna vez hemos enlazado a las fascinantes fotografías de Matt Siber en las que se muestran paisajes urbanos de los que se han eliminado todos los textos de las señales, carteles y publicidad, como manera de resaltar la sobrecarga de información a la que nos vemos sometidos en cuanto ponemos un pie en la calle. Kapitaal, un corto animado del estudio holandés Smack trata el mismo tema usando la técnica inversa: durante seis minutos paseamos por una gran capital de la que se ha borrado la arquitectura y los ciudadanos: sólo queda el branding, la publicidad de las marquesinas y los logotipos que cuelgan de las fachadas. Este vídeo de animación en el que se elimina todo tipo de límite físico, debido a que no se muestran ni las fachadas de la ciudad ni los techos de los interiores, nos muestra muy claramente el bombardeo de publicidad con todas sus ideas y mensajes en el que vivimos día a día.



“Kapitaal” es una producción realizada para el Museo de Beyerd de Berna. Aquí en Quicktime, un poco más abajo en Youtube.

Alicia Candiani.

He encontrado un trabajo sobre el cuerpo y las nuevas tecnologías de Alicia Candiani, se trata de una serie llamada "Continentes: cartografías del cuerpo". La serie examina las relaciones entre el "mapeo" del cuerpo y el "mapeo" de la tierra. En esta serie, diferentes representaciones cartográficas de la tierra están superpuestas a cuerpos retratados en posturas devocionales o Mudras. Web oficial de Alicia Candiani: http://www.aliciacandiani.com.ar/

El striptease es arte.

He encontrado una noticia que salió en El Mundo, se trata de un juicio que hubo debido a que los dueños de un bar no estaban de acuerdo en pagar el 25% en concepto de impuestos a sus boletas de entrada, como lo exigían las autoridades. Ya que decían que se trataba de baile y actuación.
El Mundo.

Michelle Teran, "Life: A User's Manual"

Proyecto del artista Michelle Teran, "Life: A User's Manual", en la muestra Always on. Michelle Teran explora la interrelación entre las redes sociales y tecnológicas en entornos urbanos a través de performances, instalaciones y obras para la Red. "Life: A User's Manual" es una serie de performances públicas y ejercicios de “mapeo” online que ponen de manifiesto las historias ocultas capturadas por emisiones wireless de circuitos cerrados de televisión, así como la interacción de estos con el mundo que nos rodea. El título "Life: A User's Manual" proviene de una novela homónima de Georges Perec. Organiza diversos paseos, encabezados por la propia artista y programados durante los tres días del festival que permiten al visitante conocer una Barcelona oculta.

Jeremy Wood "Meridians"

Este artista británico en una de sus obras expuesta en ALWAYS ON, una muestra dedicada a la cultura móvil y los proyectos de localización.Se trata de una propuesta expositiva y de participación con la que, por ver primera, SonarMática sale a la calle.
"Meridians" representa un corte de 12 km. de la ciudad de Londres. La pieza sigue un viaje a lo largo de las divisiones arbitrarias entre los hemisferios este y oeste, según dos procedimientos distintos de mapeo. Provisto de un receptor de GPS, el artista anduvo por aquellos lugares correspondientes a los extremos de los mapas, imposibles de casar con otros mapas. Wood viajó de sur a norte siguiendo el meridiano GPS y el meridiano de Greenwich a través de campos de golf, cementerios y párkings, hasta llegar al Támesis. La impresión consiste en los trazos de GPS superpuestos a una serie de imágenes aéreas de alta resolución.

arte, ciencia y tecnologia

Para introducirnos un poquito más en el mundo de las máquinas o robots, expongo acontinación un listado de espacios permanentes, museos e instituciones; y distintas competiciones y festivales que se centra en este tema.

Espacios permanentes, museos e instituciones:
Ars Electrónica: www.aec.at/
Exploratorium: www.exploratorium.edu/
InterCommunication Center: www.ntticc.or.jp/
MediaLabMadrid: www.medialabmadrid.org/
ZKM: www.zkm.de/

Competiciones y festivales:
ArtBots: the robot talent show: www.artbots.org/
Dorkbot: dorkbot.org/
International Symposium of Electronic Arts (ISEA): www.isea2004.net/
VIDA: es un certamen internacional que viene celebrándose de forma anual desde 1999. Se trata de una competición organizada por la Fundación Telefónica de
España. No he encontrado la página web pero espero encontrarlo pronto.

Theo Jansen Kinetic Sculptures

Theo Jansen es un escultor holandes que crea esculturas que utilizan el viento como fuente de energía. Los materiales que utiliza para su creación son: madera, cartón, alambre, tubos de PVC, etc... En mi humilde opinión este hombre no tiene desperdicio, y su obra no deja indiferente, quizás ya lo conozcais de sobra, pero nunca está de más volver a recordar.
Su Website es: http://www.strandbeest.com/index.html
Y para ver "Strandbeest" una de sus multiples obras en "youtube":
http://www.youtube.com/watch?v=xdyb80yvjGE&mode=related&search=
"Siento no poner los enlaces a las páginas como dios manda"

Peter William Holden, "AutoGene"

"AutoGene" es una instalación artistica creada por Holden para el Festival de Arte Robodock Technology que se celebra en Amsterdam. Esta obra es una pieza creada con mangueras y cables electrónicos que abren y cierran un numero de paraguas que danzan roboticamente al son de la famosa canción "Singing in the rine" interpretada por Gene Kelly.
La página oficial del artista es: http://www.peter-william-holden.com/
Y si quereis ver la instalación desde el "Youtube": http://www.youtube.com/watch?v=-c5ZSCW45hQ

Os propongo una importante muestra monográfica de Candice Breitz una de las artistas actuales más interesantes en relación a la utilización de las imágenes de los media y la construcción de la identidad, que se inaugurará el 20 de Enero en el Musac. Esta artista estuvo seleccionada en la última Bienal de Venecia. Texto recogido de w3art.es: El Musac presenta una muestra monográfica de Candice Breitz, en la que se que repasa su última producción realizada entre los años 2000 a 2005 y centrada en la vídeo-instalación. Establecida en Alemania desde hace años, Candice Breitz aborda en su trabajo las inflexibles fisuras entre la cultura y el consumo, la experiencia y el lenguaje. Según el comisario de la muestra, Octavio Zaya, en estas piezas “Breitz tiende a desvelar y a interrogar las imágenes fílmicas que toma del cine comercial, la televisión y los vídeos musicales. Deliberada y agresivamente, la artista re-organiza este material fílmico y lo aisla de su narrativa y funciones estéticas características y habituales. Con estas intervenciones, Candice Breitz no busca la crítica sino “abrir, revelar y exponer el simulacro entre la realidad y la ficción, la experiencia y el lenguaje, las identidades y los medios que la representan”.

United Visual Artists, UVA

Destaco de la última edición de ArtFutura el trabajo que recomienda José Luis de Vicente: United Visual Artists, o UVA. Se dieron a conocer con su ambiciosa escenografía para la gira 100th Window de Massive Attack, en que utilizaban una gran pantalla de LEDs para crear composiciones de luz e imagen a partir de flujos de datos que extraían de la web, relacionados con la actualidad y la ciudad en la que estaban tocando: titulares de periódicos, información de llegadas y salidas al aeropuerto, fluctuaciones de la bolsa. Desde entonces se han convertido en unos de los máximos renovadores del espacio escénico, fundiendo iluminación, vídeo y flujos de datos en un lenguaje visual homogéneo.

En relación al fallecimiento de Pinochet que se ha producido hoy he encontrado un documental realizado por Patricio Guzmán sobre el Caso Pinochet, que tiene como idea principal la memoria. "El caso Pinochet" relata, en torno a tres bloques narrativos divididos a su vez en dos niveles expositivos, los azares que llevaron al fiscal Carlos Castresana y al juez Baltasar Garzón a pedir la extradición del general Pinochet a España para ser juzgado por delitos tan graves como los de torturas. Esos tres bloques narrativos presentan, en primer lugar, la situación que llevó a Pinochet al poder tras el golpe militar que costó la vida al presidente Salvador Allende, en segundo lugar, los avatares transcurridos desde el requerimiento del juez Garzón hasta la llegada del general a Chile y, en tercer lugar, los trabajos del juez chileno Guzmán para implicar a Pinochet en la desaparición y asesinato de unas tres mil personas a lo largo de su dictadura.

He encontrado en http://www.rambal.com/aplic/arte.htm, una especie de robots que parecen arañas. Se trata de ocho de estas "arañas de agua" que han sido creadas por Robotics Art Club of New England. Estos robots araña son controlados por BASIC Stamps, los cuales monitorean la distancia entre los robots programables. Se puede ver el vídeo aquí.

Cosas maravillosas olvidadas en cajones.

"Rabbit" es una pieza expuesta en festivales de cine digital. Realizada por el británico Run Wrake, este diseñador trabaja con la escena de los motion graphics. Desde mi punto de vista creo que es una obra que tiene que ver con la tradición, el recuerdo y la memoria. Se trata de un pequeño vídeo realizado con tipografía y una estética un tanto infantil, son escenas típicas y tradicionales. "Rabbit".


Publicado por Bárbara Cañamero.

Postcard Polaroid

He encontrado una obra bastante curiosa que se trata de unir una tecnología muerta como es la fotografía polaroids con una tecnología moribunda como es el correo postal, estas dos cosas unidas a las nuevas tecnologías como puede ser un blogs dan el resultado de un proyecto artístico bastante curioso y que se remonta a tiempos atrás y a toda una tradición como eran el correo postal, sobre todo. "Postcard Polaroid".

Test

Jenny Holzer (born July 29, 1950 in Gallipolis, Ohio) is an American conceptual artist. She attended Ohio University (in Athens, Ohio), Rhode Island School of Design, and the Independent Study Program at the Whitney Museum of American Art. Holzer was originally an abstract artist, focusing on painting and printmaking, but after moving to New York City in 1977, she began working with text as art.

The main focus of her work is the use of words and ideas in public space. Street posters are her favorite medium, and she also makes use of a variety of other media, including LED signs, plaques, benches, stickers, T-shirts, and the Internet. Her work has also been integrated into the work of Canadian contemporary dance troupe Holy Body Tattoo.